Історія вітчизняного мистецтва

зміст

Питання 1. Історія вітчизняної класичної музики

російські композитори

Твори

Російський рок

Питання 2. Вітчизняна живопис. Авангард

Питання 3. Вітчизняна література

поети

Питання 4. Історія вітчизняної скульптури

Питання 5. Історія вітчизняної архітектури

Питання 6. Соціально-гуманітарні науки: культурологія, соціологія, історія, філософія

Питання 1. Історія вітчизняної класичної музики

Три композитора, прослухати їх твори і оцінити. Поділитися інформацією про цей жодному радянському (російському) рок-музиканта.

Класична музика в Росії бере свій початок лише в середині 19 століття. Засновниками класичної музики по праву вважаються великі російські композитори Михайло Іванович Глінка і Олександр Сергійович Даргомижський. Завдяки творчості цих геніальних композиторів російська музика перейшла на новий, світовий рівень. З'явилися перші російські опери, спільноти композиторів, навчальні заклади, де виховували професійних музикантів.

Російська музика пройшла величезна кількість етапів свого розвитку. На її формування чинили сильний вплив західні композитори, православна церква, народна творчість ... Ще в першому тисячолітті музика на Русі була виключно обрядової, тобто, вона супроводжувала виключно обрядові дії. У зв'язку з цим, музику можна розділити на дві категорії: музика календарних свят (сівши, оранка, Ярілін день, масниця і так далі) і музика сімейних свят (народження дитини, похорони, весілля ...).

У 988 році Русь прийняла християнство, це зробило величезний вплив на музику в цілому. З'явилися перші нотні записи і, так зване "знімання" спів, які прийшли з Візантії. Для проведення богослужінь були потрібні півчі, здатні читати ноти (в той час це була "Крюкова" система запису нот), тому в храмах стали навчати співаків. З'явилися і перші композитори, які писали в основному церковну музику. Серед таких композиторів можна виділити диякона батька Василя Титова. Згодом композитори стали пробувати себе і в написанні музики світської тематики. Почали з'являтися канти (музичні твори, створені на честь урочистої події) і любовні пісні. За часів правління Петра Першого, вельми популярними стали твори, написані на честь царя, його досягнень, перемог російської армії.

У вісімнадцятому столітті російська музика відчувала сильний вплив заходу. З'явилася нова система запису нот (вона існує і досі), яка прийшла із заходу. Дуже популярними стали французькі та італійські музиканти, привезені Петром Першим. Російські композитори намагалися наслідувати стиль західних композиторів. При царському дворі з'явився свій італійський театр. Через кілька років мода на італійську музику розійшлася по всій Росії. Тим не менше, більшість російських композиторів продовжували писати духовну музику (Максим Березовський і Дмитро Бортнянський). Почали з'являтися перші російські опери. Нарешті, дев'ятнадцяте століття підніс російську музику на принципово новий рівень. Завдяки творчості Михайла Івановича Глінки стали розвиватися такі жанри, як опера, симфонія, романс і камерна (інструментальна) музика. Крім того, Глінка розділив оперний жанр на два види: опера-драма і опера-казка. У своїй творчості Михайло Глінка звертався до теми народу, до політичного життя країни. Яскравим прикладом цього є опера-драма "Іван Сусанін" (друга назва "Життя за царя"). Не тільки політичні теми хвилювали Глінку. У його творах оспівується краса природи Росії, любов до батьківщини, життя і побут простих людей.

Опера розповідає про подвиг простого селянина, який приніс в жертву своє життя, заради порятунку царя і не допустив захоплення Росії. Прикладом опери-казки може стати "Руслан і Людмила", опера, написана за мотивами однойменного твору Олександра Сергійовича Пушкіна.

Взагалі, поетичні рядки А.С. Пушкіна можна зустріти в багатьох творах М. Глінки. Величезна кількість романсів було написано на вірші великого російського поета. Творчість Пушкіна і Глінки має однакове значення для Російської культури. Як Пушкін став основоположником російської літературної мови, так і Глінка став першим класиком в російській музиці.

Продовжувачем ідей Глінки став Олександр Сергійович Даргомижський. Його ім'я нерозривно пов'язане з розвитком російської класичної музики. Олександр Сергійович в своїй творчості звертався до народних інтонацій і напрацювань російських композиторів. Він зробив величезний внесок в удосконалення російської опери, створивши свій власний стиль речитативного співу. Як і у Глінки, велика кількість творів Даргомижського написано на літературний текст творів Олександра Пушкіна. Таким чином, можна з упевненістю заявити, що Олександр Пушкін є основоположником російської класичної музики.

У шістдесятих роках 19 століття відбулася ще одна знаменна подія в культурному житті країни. Брати Антон та Микола Рубінштейни домоглися створення першої російської консерваторії. Перший навчальний заклад був заснований в Москві, а через деякий час і в Санкт-Петербурзі. У консерваторії стали набирати талановитих музикантів. Таким чином, в сімдесятих роках 19 століття в Росії з'явилися перші професійні композитори, теоретики, виконавці, музичні критики. Почала розвиватися і школа педагогів, які навчали своїх студентів, грунтуючись на творчості російських композиторів.

Представниками нового покоління російських композиторів, вихованих в консерваторіях, стали Милий Балакірєв, Цезар Кюї, Микола Римський-Корсаков, Модест Мусоргський, Олександр Бородін. Композитори продовжували традиції, закладені батьками російської класичної музики Михайлом Глінкою і Олександром Даргомижським. Всі п'ять композиторів працювали в рамках напряму "реалізм". Їх щиро хвилювала доля Росії, життя і побут простих селян, політичне життя країни, всі ці питання знайшли відображення в їхній творчості.

Наприкінці шістдесятих, початку сімдесятих років 19 століття утворилося співтовариство музикантів під керуванням Мілія Балакірєва. Музиканти стали називати себе "Могутня купка". Членами спільноти стали композитори "нового покоління": Цезар Кюї, Микола Римський-Корсаков, Модест Мусоргський, Олександр Бородін. Композитори брали активну участь в житті країни, писали твори, ділилися досвідом з колегами, співпрацювали з іншими спільнотами, як музичними, так і літературними. "Могутня купка" внесла неоціненний вклад у розвиток російської музики.

Таким чином, російська класична музика бере свій початок на початку 19 століття з народженням найбільшого композитора, батька класичної музики в Росії Михайла Івановича Глінки. Протягом цілого століття творчість цього композитора було еталоном, прикладом для наслідування для всіх молодих композиторів.

Здатність гармонійно поєднувати народні мотиви, новаторські ідеї - ось головна особливість і самобутність російської музики і російських композиторів.

російські композитори

Дмитро Дмитрович Шостакович народився 25 вересня 1906 року. Батько його, Дмитро Болеславович, - інженер-хімік, співробітник Менделєєва, був великим любителем музики. Володар м'якого, приємного баритона, він з тонким смаком виконував романси і народні пісні, виступаючи на домашніх вечорах. Любов до співу, музиці перейшла до нього від батька - Болеслава Шостаковича - професійного революціонера, засланого царським урядом на вічне поселення до Сибіру. Поетична тонкість душі, нагальна потреба в спілкуванні з мистецтвом були притаманні і іншим членам сім'ї Шостаковичів. Музично обдарованої була мати майбутнього композитора - Софія Василівна. Коли Миті виповнилося одинадцять років, вона вирішила визначити його в приватну музичну школу Гляссера. Неабиякі здібності хлопчика були багатьма помічені, і на одному з музичних вечорів, він був представлений відомому композитору, директору Петроградської консерваторії Олександру Костянтиновичу Глазунова, який уважно поставився до починаючого музиканта. Не заперечуючи його виконавського обдарування, Глазунов порадив йому всерйоз зайнятися композицією, яку нині вважає основним покликанням талановитого юнака. Розповідали, що Глазунов назвав його новим Моцартом - так вразив він всіх своєю незвичайною музикальністю, прекрасну пам'ять, тонким слухом і композиторським даром, який проявився в невеликих прелюдіях для фортепіано, написаних ним незадовго до надходження в Петербурзьку консерваторію і виконаних перед екзаменаційною комісією.

Розвиток талановитого юнака, вже в стінах Петроградської консерваторії, протікало стрімко і бурхливо. Оточуючих - і професорів, і студентів - вражала надзвичайно яскрава і різнобічна його обдарованість: блискуча музична пам'ять, вміння прекрасно читати з листа не тільки фортепіанну літературу, а й складні оркестрові партитури, допитливий, гострий розум, здатний швидко сприймати і оцінювати все, що він чув в класах консерваторії, на концертах. Але незабаром до всіх цих юнацьким враженням і захопленням додалася і серйозний обов'язок - матеріальна турбота про сім'ю. У 1922 році, коли юнак переходив на останній курс консерваторії, помер його батько. Після смерті батька потрібно було не тільки напружено вчитися, але і працювати. Юнак влаштувався музичним ілюстратором в один з кінотеатрів Ленінграда. Оскільки звук в німому кіно був відсутній, його замінювало фортепіанне супровід. Природно, що все це стало для талановитого і сумлінного юнаки додатковим навантаженням, яка не могла не позначитися на його здоров'ї. Але, тим не менш, він змушений був продовжувати роботу в кіно, що дуже заважало і відволікало від систематичних музичних занять, яким він як і раніше надавав першорядне значення.

Проте, навчання в консерваторії по класу фортепіано було вдало завершено, і в 1923 році Дмитро Шостакович почав свій самостійний артистичний шлях. До цього часу він був автором значної кількості творів. А до закінчення консерваторії створив Першу симфонію. Ця симфонія відразу ж визначила місце Шостаковича в радянській симфонічній музиці, здобувши йому славу одного з кращих і зрілих - незважаючи на вік - композиторів. І дійсно, в ній він постав як самобутня, цілком визначилася творча особистість зі своїм особливим, неповторним, тільки йому властивим музичним почерком. Завдяки великій кількості різних тем-образів, їх тісного переплетення, взаємодії, зіткнення, протиборства, симфонія дійсно схоже на роману, а часто перевершує його по психологічної та емоційної глибині образів, різноманітністю настроїв, їх найтонших відтінків, передати які слово часом безсило.

У 1925 році Дмитро Шостакович закінчив і композиторський факультет консерваторії. Він з успіхом виступає і як піаніст: виконує не тільки свої твори, а й класичну музику. На міжнародному конкурсі піаністів у Варшаві (1927) Шостакович був нагороджений почесним дипломом.

Перші серйозні досягнення Шостаковича в розвитку цивільної тематики в музиці - його Друга і Третя симфонії (1927-1929). І в творчості композитора, і в історії радянської музики вони займають місце особливе, бо з'явилися одними з перших симфонічних творів, де була відображена революційна тема. В кінці 1920-х років Шостакович починає співпрацювати з деякими театральними режисерами та кінорежисерами - музично оформляє драматичні спектаклі і кінофільми тих років.

Різні епохи, різних людей, їхні почуття і настрої відображали фільми, музично оформлені Шостаковичем. Цікаві пісні робітничих околиць, які композитор ввів в кінофільм "Людина з рушницею" ( "Хмари над містом встали") і в кінотрилогію про Максима ( "Крутиться, крутиться куля блакитний"). Вони не тільки вірно передавали аромат епохи, а й міцно увійшли в музичний побут 1930-х років. Особливою заслугою Шостаковича є те, що він першим з радянських композиторів ввів в кінофільм пісню як лейтмотив, тобто музичне втілення певної думки, настрої, характеристики дійової особи або групи осіб. Так, наприклад, лейтмотивом фільму "Зустрічний" є знаменита "Ранкова пісня" (або "Пісня про зустрічний"), що змальовує колективний образ молодих робітників. Прекрасна, співуча мелодія цієї пісні, її пружний, вольовий ритм, світлий, радісний характер так повно відображали свою епоху - епоху будівництва нового життя, що пісня стала її прапором, символом. Вона легко переступила кордону і незабаром зазвучала у всіх країнах Європи, де її швидко "присвоїли", забувши про автора. "Так, це наша пісня, - сказали там одного разу одному з наших композиторів. - Але, здається, у вас в Росії теж є щось схоже. Здається." У Швейцарії вона стала весільної піснею, а в 1948 році, наділена новим текстом, була оголошена Гімном ООН.

У 1928 році композитором була створена перша опера - "Ніс" на сюжет повісті М.В. Гоголя. Звернення до твору великого російського письменника зіграло важливу роль в розвитку Шостаковича як художника, виявило своєрідність, оригінальність його устремлінь. Так само, як Гоголь, він був упевнений в тому, що література, мистецтво можуть змінити життя, зробити її не тільки осмисленої, але і прекрасною, - потрібно тільки показати все, що робить її потворної, підкресливши, що багато залежить від самих людей.

Ті ж риси - сатиричний гротеск і побутова сатира - присутні і в другій опері Шостаковича - "Катерина Ізмайлова" (1932). Але основним тут став високий трагедійний пафос тому опера має підзаголовок "трагедія-сатира".

Сюжетом опери послужила повість Н.С. Лєскова "Леді Макбет Мценського повіту", зі скороченнями, з іншої розстановкою акцентів. У центрі опери - проста російська жінка, щиро полюбила і не розмірковують про наслідки своєї любові. Головним для композитора стали глибина почуття, переживання героїні, її докори сумління.

Цікаво відзначити, що таке глибоко трагедійне твір створювалося одночасно з комедійним балетом "Світлий струмок", близьким по музиці до попередніх балетів Шостаковича "Золотий вік" і "Болт". Опери "Ніс" і "Катерина Ізмайлова", балет "Золотий вік" в 1936 році зазнали нищівної критики в статті "Сумбур замість музики" в газеті "Правда". Подає великі надії композитор, якому була близька атональность Шенберга і конструктивізм Стравінського, а також джаз, музичний футуризм, отримав жорстокий удар. З цього фатального моменту було заборонено виконувати написані раніше твори, і Шостакович був змушений скасувати виконання Четвертої симфонії. Який слід це залишило в його душі? Побачити посмішку на обличчі цієї людини, що прикривав очі темними непроникними скельцями окулярів, було великою рідкістю. В результаті Шостакович спростив свою музичну мову, що особливо помітно в струнному квартеті і квінтеті того періоду.

Зрозуміло, чому музика П'ятої симфонії сповнена такого величезного напруження і трагедійної сили. Її основний зміст склав багатий і різноманітний світ людських переживань, почуттів: пристрасні, вольові пориви - і болісна, затаєна біль, стрімке нагнітання динаміки, дії - і тихе захоплення перед життям, перед її одвічною, невиліковним красою і мудрістю. П'ята симфонія стала першою кульмінацією симфонічного творчості Шостаковича, однією з вершин всього радянського симфонізму. "Оптимістична трагедією" назвали її сучасники. "Страшна сила емоційного впливу, але сила трагічна", - говорив про цю симфонії письменник А. Фадєєв. У своєму тріумфальному ході симфонія легко переступила межі нашої країни і багаторазово звучала за кордоном. Так, в сезоні 1937-1938 року її почули жителі французької столиці в одному з концертів, що складався "з кращих творів сучасної музики", - як писалося в одній з паризьких газет. На цьому концерті, крім двох творів визнаних французьких композиторів - Ж. Оріка і Ш. Кёхліна, - прозвучала і П'ята симфонія у виконанні паризького симфонічного оркестру під керуванням Р. Дезормьера.

Тим часом Шостакович працював уже над новою своєю симфонією - Шостий. Композиція Шостої симфонії дещо незвична, несподівана. І, тим не менше - це ланка одного ланцюга пошуків, як і раніше спрямованих і сміливих. У 1937 році Дмитро Дмитрович стає викладачем Ленінградської консерваторії і через два роки отримує звання професора. Було йому тоді 33 роки. Незважаючи на те, що педагогічна діяльність його була недовгою (він викладав у Ленінградській консерваторії в 1937-1941 роках і в Московській консерваторії в 1943-1948 роках), вплив його на розвиток радянської музики виявилося величезним. Його багато обдарована натура і в цій області проявила себе яскраво і талановито. Дмитро Дмитрович допоміг сформуватися таким неповторним творчим індивідуальностям, як Г. Свиридов, Кара Караєв, Б. Чайковський, Ю. Левітін, і іншим. Розпочата в 1941 році війна відсунула на далекі терміни здійснення задумів мирного часу. "Вітчизняній війні з фашизмом, нашої прийдешньої перемозі над ворогом, моєму рідному місту - Ленінграда - і присвячую свою 7-ю симфонію", - написав на партитурі Шостакович влітку 1941 року. У його душі, що кипіла великим гнівом, визрівав грандіозний задум нового твору, яке мало відобразити думки і почуття мільйонів радянських людей. Все передуманное, перечувствованное в перші військові дні, місяці вимагало виходу, шукало свого втілення в звуках.

З надзвичайним натхненням взявся композитор за створення своєї Сьомої симфонії. "Музика нестримно рвалася з мене", - згадував він потім. Ні голод, ні почалися осінні холоди і відсутність палива, ні часті артобстріли і бомбардування не могли перешкодити натхненній праці. Загальний вміст симфонії - протиставлення і боротьба двох непримиренно ворожих образів. Це вже не абстрактні категорії добра і зла, а цілком конкретні образи: світ радянських людей і фашизм. Завершилася симфонія вже в Куйбишеві, куди Шостаковича хворого, знесиленого від голоду, з двома малолітніми дітьми вивезли літаком. Там же, в Куйбишеві, і відбулася прем'єра симфонії - 5 березня її виконав оркестр Великого театру. Незабаром Сьома симфонія прозвучала і в Москві. А 9 серпня того ж року, коли за планом фашистського командування Ленінград повинен був упасти - воно навіть призначило на цей день парад своїх військ в Ленінграді, - Сьома симфонія Шостаковича була виконана в цьому місті - змученому блокадою, але не здався ворогові. Не менший інтерес зустріла симфонія і за кордоном. Знята на фотоплівку, минувши мінні поля Атлантики, вона прибула в Нью-Йорк, де її вже чекали кращі диригенти Америки - Л. Стоковський, А. Тосканіні, С. Кусевицький. Прем'єру симфонії транслювали всі радіостанції США, Канади, Латинської Америки - її слухало близько 20 млн. Чоловік.

Більше 60 разів прозвучала ця симфонія на Американському континенті протягом лише декількох місяців 1942 года! У 1943 році Шостакович повернувся з евакуації і оселився в Москві. Відтепер він назавжди пов'язав себе з цим містом. Тут він працює над Восьмий симфонією. Восьма симфонія - свого роду трагедійна кульмінація в творчості Шостаковича. Вона продовжує розкриття військової теми, розпочате в Сьомої симфонії, але за своїм характером, образному строю певною мірою протистоїть їй. Образ смерті постає в цій симфонії як страшна, спопеляюча все живе сила. І для такої музики природно нервове, трепетне биття ритмічного пульсу, складний гармонійний комплекс звуків, що передає напругу. Двічі приймався Шостакович за створення нової - Дев'ятої симфонії, і нарешті восени 1945 року вона була вперше виконана спочатку в Ленінграді, а потім в Москві. Кожна з п'яти її частин містить в собі свій особливий світ почуттів і настроїв. Але всіх їх об'єднує світле світовідчуття, яке вперше за останні роки зазвучало в творчості Шостаковича.

Скінчилася війна. Твори Шостаковича з величезним успіхом звучали у виконанні кращих музикантів на всіх континентах земної кулі. І тим не менше, в той період композитор знову був підданий нищівній критиці. Його твори назвали непотрібними і навіть шкідливими формалистическими дослідами. 1953 рік приніс СРСР великі зміни. Під враженням подій того часу створив Шостакович свою нову, Десяту симфонію - одне з найбільш ліричних творів. Музика Десятої симфонії прекрасна своєю виразністю і співучістю. Причому характер більшості мелодій - споконвічно російська, глибоко ліричний, проникливий. І, можливо, тому при всьому незаперечному досконало попередніх симфоній Шостаковича Десята виділяється особливим, високо поетичною строєм основних своїх образів, їх теплотою і глибокою людяністю. У 1955 році наш народ урочисто відзначав п'ятдесятирічний ювілей першої російської революції 1905 року. Це надихнуло композитора на створення нової, Одинадцятої симфонії, яка прозвучала вперше в 1957 році. Одинадцята симфонія відкриває зовсім інший світ музичних образів і починає собою розвиток іншого типу симфонічних творів у творчості Шостаковича - програмного. Основною особливістю симфонії є те, що її музична тканину пронизана мелодіями старих революційних пісень. І хоча ці мелодії "співають" тут тільки інструменти оркестру, але завдяки своїй широкій популярності вони входять в свідомість слухачів як пісні зі словами.

Темі революції Шостакович присвятив і свою наступну - Дванадцяту симфонію "1917 рік". Літературною основою Тринадцятої симфонії, завершеною в 1961 році, стали вірші Є. Євтушенко - поема "Бабин Яр". Музика і слово є в ній рівними компонентами для вираження не тільки складних рухів людської душі, але конкретних подій - особистих чи історичних, які складають основу змісту того чи іншого твору. Події далекого і недавнього минулого визначили зміст симфонії, і їх опис є сусідами з роздумами і ліричними висловлюваннями композитора.

У 1963 році Шостакович пише своє новий твір - вокально-симфонічну поему "Страта Степана Разіна". І знову літературним матеріалом, який ліг в основу цього твору, послужив уривок з поеми Є. Євтушенко "Братська ГЕС". Поетичне слово і музика, тісно переплітаючись, беруть участь в цьому творі як одно необхідні, рівнозначні елементи для передачі задуму. Основу змісту поеми складають далекі події російської історії XVII століття. Але музика, оповідаючи про них, звучить світло і сучасно, що наближає їх до нас. Нові симфонії Шостаковича - Чотирнадцята (1969) і П'ятнадцята (1971) - описують коло морально-етичних проблем нашого складного часу і разом з тим загальнолюдського значення. У всіх цих творах ми незмінно відчуваємо породила їх епоху, з оголеними контрастами і надзвичайно напруженим ритмом життя.

П'ятнадцята симфонія - остання симфонія Дмитра Дмитровича Шостаковича. Вона завершила собою майже піввікової шлях видатного композитора-симфониста. Композитор помер 9 серпня 1975 року.

Олександр Бородін народився 12 листопада 1833 в Петербурзі. Музикою Саша почав займатися з восьми років і незабаром навчився грати на флейті, фортепіано, а пізніше і на віолончелі. Писати хлопчик почав ледь йому виповнилося дев'ять років. А в 1849 році в одній з петербурзьких газет з'явилася стаття, де, зокрема, говорилося: "Особливої ​​уваги, на нашу думку, заслуговують твори обдарованого шістнадцятирічного композитора Олександра Бородіна ... Ми тим охочіше вітаємо це нове національне дарування, що терені композитора починається НЕ польками і мазурка, а працею позитивним, що відрізняє у творі тонкий естетичний смак і поетичну душу ". Знав би автор статті, ніж марила ця "поетична душа". Вся кімната хлопчика була заставлена ​​колбами, пальниками та іншими пристосуваннями для хімічних дослідів.

У 1850 році Саша Бородін вступив до Медико-хімічну академію. Навчання йшло дуже успішно. Настав час, і, захистивши докторську дисертацію, молодий вчений разом з товаришами вирушив на три роки в закордонне відрядження. Багато з них пізніше склали гордість і славу російської науки: Д. Менделєєв, А. Бутлеров, І. Сєченов, і інші. А тоді, на самому початку 1860-х років, всі вони були ще молоді і робили перші кроки, кожен у своїй галузі науки. Особливо теплі стосунки пов'язували вчених-хіміків. Майже відразу ж після приїзду до німецького міста Гейдельберг Бородін подружився з талановитими молодими хіміками В. Савичем, В. Олевінський, Д. Менделєєвим. На жаль, Савич і Олевінський рано померли, не встигнувши проявити себе. Дружба Бородіна і Менделєєва збереглася на все життя.

Життя молодих вчених в Гейдельберзі протікала у напруженій наукової роботи. А вечорами, стомлені лабораторними заняттями, збиралися у кого-небудь з друзів і віддавалися своєму улюбленому заняттю - музиці. Нерідко всією компанією, незважаючи на скромний матеріальний достаток, їздили в найближчі міста. Там слухали симфонічну і органну музику, оперні спектаклі. На той час молодий вчений Бородін вже був автором кількох романсів, інструментальних п'єс, ансамблів. Деякі з його фортепіанних п'єс були навіть видані. У Гейдельберзі Бородін теж пише, в основному камерно-інструментальні ансамблі, фортепіанне тріо, секстет, струнний квінтет. Вони відразу ж охоче виконуються на музичних вечорах. Але, незважаючи на сильний потяг до музики і на успіх його творів, він відноситься до музичних занять як до другорядного справі, - така велика була захопленість наукою. Там, в Гейдельберзі, Бородін познайомився з молодою московської піаністкою Катериною Сергіївною Протопопова. Прекрасна виконавиця музики Шопена, Шумана, вона відкрила для Бородіна ще невідомий йому поетичний світ цих композиторів-романтиків. Олександр Порфирович із захватом заслухувався нової для нього музикою. А потім, коли за станом здоров'я Катерині Сергіївні знадобився терміновий переїзд в Італію, Бородін супроводжував її на правах нареченого. Це був найщасливіший рік в його житті: заняття в хімічній лабораторії у відомого італійського вченого, часті відвідування концертів і оперних вистав. І нарешті, велике почуття до талановитої музикантка, яке, за його словами, "служило сонцем, що висвітлювали і зігрівали весь італійський пейзаж". В Італії Бородін створює одне з кращих своїх камерних творів - Фортепіанний квінтет. А незабаром відбулася їх весілля. Коли вони в 1862 році повернулися в Петербург, Бородін зайняв посаду ад'юнкт-професора в Медико-хірургічної академії. Ця служба вимагала від молодого вченого багато сил і часу.

Незабаром після повернення з-за кордону Бородін відвідав свого колегу і друга М.А. Боткіна, в будинку якого влаштовувалися так звані "суботи", тобто суботні вечори, проведені за дружньою бесідою. На одній з таких субот і відбулася подія, що визначила багато в чому подальше життя Бородіна, - зустріч його з Балакиревим. Знайомство і подальше спілкування з керівником "Могутньої купки", а потім і з іншими членами цього гуртка затвердив в молодому вченому більш серйозне ставлення до свого композиторського таланту.

Після першого ж місяця спілкування з Балакиревим "Олександр Порфирович остаточно переродився музично, - згадувала Протопопова, - виріс на дві голови, придбав то надзвичайно оригінально-Бородінський, чому незмінно доводилося дивуватися і захоплюватися, слухаючи з цих пір його музику". Балакірєв першим розгадав незвичайну обдарованість Бородіна, вселив йому думку про необхідність створення Першої симфонії. Робота над цією симфонією протікала під безпосереднім керівництвом Балакірєва і тривала близько п'яти років. Звичайно ж, такий великий термін визначався повільністю композитора. Складав він досить швидко, захоплено, повністю віддаючись творчості. На жаль, такі дні, коли він мав можливість складати, випадали вкрай рідко. Але музика не залишала вченого - вона звучала в його душі навіть під час лекцій. Але бувало й інакше: будинки, під час бесіди з друзями-музикантами, він раптом схоплювався, біг в лабораторію. Хімія і музика безроздільно панували в його душі і владно пред'являли свої права на його увагу, час і творчу енергію.

Природно, що Перша симфонія створювалася уривками. І, тим не менше вона вражає своєю гармонійною цілісністю, стрункістю. У ній вже виразно проступають основні риси бородинского стилю - музика його повна контрастними і в той же час невловимо схожими образами то могутньої сили, твердості духу, то душевної м'якості, ласкавою ніжності. Так по-різному проявилися у творчості Бородіна риси російського національного характеру.

Історична цінність Першої симфонії полягає не тільки в її високої художньої зрілості. Вона стала однією з перших симфоній в російській музиці. З великим успіхом прозвучала в 1869 році, симфонія виявилася першою блискучою перемогою, здобутої композиторами "Могутньої купки". Ця перемога дала Бородіну впевненість в своїх творчих силах, - тепер він відкинув будь-які сумніви в своєму праві займатися композицією. Все більше уваги приділяє він музиці не тільки як власної творчості. З великою увагою стежить він за успіхами друзів-музикантів. Кожен з них створював в той час щось нове, цікаве. Всі твори - цілком і в уривках - виконувалися на концертах Безкоштовної музичної школи, на зборах "Могутньої купки" і вражали уяву новизною, незвичністю звучання, яскравою талановитістю.

Атмосфера, яка панувала на музичних зборах, високий, ні з чим не порівнянний ентузіазм не могли залишити байдужим нікого. І Бородіна теж - незважаючи на його повсякчасну зайнятість науковою та громадською діяльністю. Він створює один за іншим кращі свої романси та пісні. Майже половина з них написана на поетичні тексти самого композитора. Тоді ж він створює Другу симфонію - одне з кращих творів російської симфонічної музики, твір зріле, вчинене за формою і змістом. Симфонія висловлює ідеї патріотизму, національної гордості за наше славне історичне минуле. Вона була захоплено зустрінута друзями композитора, які оцінили її як кращу російську симфонію, що перевершує все створене до неї. Коли Мусоргський запропонував назвати її "Слов'янської героїчної", Стасов запротестував: не взагалі слов'янська, а конкретно - російська, богатирська. Так ця симфонія і стала називатися - "Богатирська". Друга, Богатирська симфонія стоїть в одному ряду з кращими творами світової музичної класики. У ній втілені вічні духовні цінності, душевні якості російської людини.

Одночасно з Другою симфонією Бородін працював і над створенням головного свого твору - опери "Князь Ігор". Він почав її складати ще в кінці 1860-х років. Стасов запропонував йому тоді як сюжет "Слово о полку Ігоревім". Це захоплювало композитора, і незабаром був складений детальний план майбутньої опери. Так почалася натхненна і копітка робота над оперою "Князь Ігор", яка через постійною його зайнятості розтягнулася на 18 років - аж до самої смерті. Докладність Бородіна як вченого позначилася і в підході до композиторській творчості. Перелік історичних джерел - наукових та художньо-літературних, які він пропрацював, перш ніж приступив до створення опери, говорить багато про що. Тут і різні переклади "Слова о полку Ігоревім", і всі фундаментальні дослідження з історії Росії. Робота над оперою допомагала переносити прикрості, невдачі. Особливо пригнічувала хвороба дружини - астма, через яку вона не могла жити в Петербурзі і півроку зазвичай проводила у батьків в Москві або Підмосков'ї. Та й приїзди її в Петербург аж ніяк не полегшували життя Бородіна.

Відволікали від основних занять і матеріальні проблеми, що змушували його викладати в Лісовий академії і переводити з іноземних мов (кілька з них Бородін знав чудово) наукову літературу, часом навіть малоцікаву. Чимала частина платні йшла на допомогу родичам, які потребують студентам, на утримання вихованок (своїх дітей у Бородіних не було), на придбання різних, завжди бракує в лабораторії препаратів і багато іншого. І тим не менше Бородін проводив свої дослідження, які зіграли значну роль в розвитку хімії. Внесок його в вітчизняну науку досить великий, хоча міг бути ще більшим, якби вчений мав необхідні умови. Така жагуча, безмежна любов до науки породжувала необхідність і в іншій діяльності - громадської. Чого варті тільки Жіночі лікарські курси - перше і єдине в Росії навчальний заклад, де жінки могли отримати вищу освіту. Своїм відкриттям і існуванням, нехай недовгим, вони зобов'язані невсипущим турботам Бородіна. Найбільші вимоги Бородін пред'являв до самого себе, вважаючи це неодмінною умовою "моральної гігієни". Невичерпна доброта, доброзичливість його виявлялися не тільки по відношенню до тих, хто потребував, але і тих, хто процвітав більше, ніж він, - якщо, звичайно, людина була симпатичний йому. Але величезне навантаження в академії, невлаштований побут, хвороба дружини і її часті від'їзди, відсутність режиму, необхідного для наукової і творчої роботи, - все це викликало почуття втоми - духовної і фізичної. Погіршувався і моральне самопочуття Бородіна - наближалася старість, яка загрожувала не тільки хворобою, але і матеріальною незабезпеченістю. Мрія про інше життя - "хотілося б пожити на волі, розв'язаної зовсім з казенною службою!" - виявляється нездійсненною: "Годуватися конче зробить пенсії не вистачає на всіх і вся, а музикою хліба не здобудеш". Проте в кінці життя Бородін все більше віддається музиці - композитор поступово витісняє в ньому вченого. У ці роки була створена симфонічна картина "У Середній Азії", кілька фортепіанних п'єс та камерних ансамблів. Один з них - Перший струнний квартет - був виконаний взимку 1879 на концерті Російського музичного. суспільства. Слухачі були зачаровані російської співучістю, широтою і пластичністю цієї музики.

Успіх надихнув Олександра Порфировича на створення нового квартету - Другого, який незабаром (в січні 1882 роки) пролунав в Москві. І знову успіх - ще більший, ніж в Петербурзі. Другий квартет - ще більш зріле і досконалий витвір. Кожна з його чотирьох частин, складаючи єдине ціле, є одночасно маленьким інструментальним шедевром. Все частіше звучать твори Бородіна - в Росії і за кордоном; все більшу славу російської національної музики завойовують вони. І в Європі, і в далекій Америці виконання Бородінської музики перетворювалося нерідко в справжній тріумф. А Бородін вже посилено працював над новою симфонією - Третьою, яка, на його думку, повинна була стати найяскравішим, самим значним його твором. "Руської" мав намір назвати її композитор. Окремі фрагменти з неї він вже програвав друзям, викликаючи радість, захоплення і гордість за нього. І все ж ні опера "Князь Ігор", ні Третя симфонія були завершени.15 лютого 1887 Бородін несподівано помер. Уже після його смерті Римський-Корсаков і Глазунов довели до кінця те, що не встиг закінчити Олександр Порфирович.

Петро Ілліч Чайковський народився 25 квітня 1840 в заводському селищі Воткинськ, в Удмуртії, в сім'ї гірничого інженера, директора Камсько-Боткінської заводів. У Воткінську, а з шестирічного віку в Алапаевске (на Уралі) протекли ранні дитячі роки композитора. Народні пісні - переважно протяжні, ліричні наспіви рибалок, часто вечорами що звучали з озера, - були першими, найбільш яскравими музичними враженнями Чайковського. У ці ж роки Чайковський познайомився і з деякими творами італійських і німецьких композиторів, які він слухав у виконанні на оркестріне (механічному органі), привезеної батьком у Воткинськ. У ранньому віці почалися і його перші уроки гри на фортепіано. Хлопчик ріс в атмосфері батьківської любові, його виховання було доручено француженці-гувернантки Фанні дюрбе. Правдивий, чуйний, чуйний до людей хлопчик з ранніх років завоював велику любов всіх оточуючих. У десятирічному віці його віддали вчитися в Петербурзьке Училище правознавства, яке готувало чиновників для департаменту юстиції. Музика все більше заповнювала його життя. Він став співати в хорі Училища правознавства - спочатку дискантом, а потім альтом; брав уроки музики у італійця Піччіолі; слухав опери і концерти з друзями-правознавцями. Важливою подією того часу стало знайомство з оперою Моцарта "Дон Жуан" у виконанні італійської трупи в Петербурзі. Під час перебування в училище в 1855-1858 роках Чайковський займався у піаніста Рудольфа Кюндінгера. Учитель відразу помітив видатні здібності вихованця. А потім Петро Ілліч брав уроки теорії музики у брата Кюндінгера - Августа.

Восени 1859 Петро Ілліч надходить в відкрилися музичні класи при Російському музичному товаристві. А через два роки, вже будучи чиновником Міністерства юстиції, в знаменні дні святкування тисячоліття Росії він подає заяву в дирекцію РМО про прийом в відкрилася консерваторію. Найпотаємніше перевіряє він сестрі: "В минулому році, як тобі відомо, я дуже багато займався теорією музики і тепер рішуче переконався, що рано чи пізно, але я проміняю службу на музику". Прийнявши тверде рішення присвятити себе музиці, Чайковський пристрасно оволодіває професійними знаннями. Від занять в фортепіанному класі він був звільнений, так як викладачі вважали його досить підготовленим. Займаючись у Миколи Івановича Заремби теорією музики, Чайковський справлявся з надзвичайно важкими, величезними за обсягом завданнями, дивуючи своєю працьовитістю і енергією. З не меншим завзяттям він займався і композицією у Антона Григоровича Рубінштейна. Надзвичайно задоволений учнем, Рубінштейн зробив його своїм стипендіатом, а з 1864 року доручив вести заняття в класі гармонії.

Протягом 1863-1864 навчального року Чайковський, опановуючи мистецтвом інструментування, перекладав для самих різних складів оркестру твори інших авторів і власні твори. У тому ж році для великого симфонічного оркестру Чайковський написав п'єсу "Римляни в Колізеї", оркестрував першу частину Крейцерової сонати Бетховена і дві варіації з Симфонічних етюдів Шумана. Оркестровку однією з сонат Бетховена він зробив настільки вишуканою і мудрованої, включивши англійський ріжок і інші рідкісні інструменти, що розсердив свого вчителя. Під час літніх канікул композитор написав велику симфонічну увертюру, вибравши в якості програми "Грозу" А.Н. Островського. Восени наступного року - струнний квартет і ще одну увертюру, які отримали схвалення у педагогів і були виконані в учнівських концертах.

Наближалася знаменна дата випуску. Звання вільного художника і срібна медаль увінчали роки напруженої, наполегливої ​​праці Чайковського. Однак через три місяці після отримання диплома він читає суворий, убивчий вирок Кюї: "консерваторських композитор р Чайковський зовсім слабкий". Але молодий композитор не падає духом. У нього зріє задум опери ... Але перш Чайковський приймається за створення симфонії. Свою першу симфонію Чайковський назвав "Зимові мрії". Це перша симфонія, створена російським композитором, який отримав у себе на батьківщині, в Росії, професійну музичну освіту. "Зимові мрії" пройняті російськими пісенно-танцювальними інтонаціями. Його симфонія стала сповіддю душі. У ній Чайковський висловив все наболіле і раділи, сум'яття і шукання, прагнення до вічно прекрасного, піднесеного. В "Зимових мріях" проявилися той образний лад, спосіб ліричного висловлювання, драматургічна мислення і музична виразність (особливо в оркестровка), які будуть типові для всього його симфонічного творчості. Уже тоді він сформував свій, яскраво індивідуальний симфонічний метод.

У січні 1866 року, прийнявши запрошення Миколи Григоровича Рубінштейна (брата Антона Григоровича Рубінштейна), Чайковський переїхав до Москви, щоб стати професором Московської консерваторії.Тут його творча діяльність досягла великого і різнобічного розквіту. У той же час Чайковський інтенсивно працював як педагог-вихователь і критик-публіцист. Розвитку творчого обдарування Чайковського в ці роки багато в чому сприяло його спілкування з різними видатними представниками російської літератури і мистецтва. У 1860-70-х роках встановилися і міцні зв'язки Чайковського з композиторами "Могутньої купки" - Балакиревим і Римським-Корсаковим, а також зі Стасовим. Балакірєв і Стасов неодноразово підказували Чайковському сюжети для його програмних творів. З Балакиревим і Римським-Корсаковим Чайковський ділився своїми творчими планами; останньому він допомагав також радами в його самоосвіті з теорії музики. Композитори обмінювалися записами народних пісень. Так, в спілкуванні з представниками передового російського мистецтва і при постійному живому інтересі до народної творчості формувався реалістичний музичний стиль Чайковського.

До московського періоду відноситься створення великої кількості найрізноманітніших творів: в їх числі - опери "Воєвода" (1869), "Ундіна" (1869), "Опричник" (1874), "Коваль Вакула" (1876), три перші симфонії (1866 , 1872 і 1875), кілька програмних увертюр-фантазій для оркестру (серед них "Франческа да Ріміні", 1876 рік), три квартету (1871, 1874 і 1876), Перший фортепіанний концерт (1875), музика до казки Островського "Снігуронька" (1873), цикл фортепіанних п'єс "Пори року" (1876) і ряд інших камерно-інструментальних творів і романсів. Велика частина творів московського періоду пов'язана з народними піснями. У них Чайковський нерідко включав справжні народні пісні - російські чи українські. Так, наприклад, записана під Москвою з голосу селянки пісня "Коса ль моя, косинька" увійшла в оперу "Воєвода" ( "Соловейко в Дубравушка"). Пісня "Сидів Ваня на дивані", почута Чайковським на Україні в Кам'янці, стала головною темою повільної частини Першого струнного квартету.

Деякі твори цих років містять яскраві замальовки народного побуту, живо передають народний гумор і веселощі (наприклад, фінали Першої та Другої симфоній), поетичні образи природи - цикл "Пори року". В інших же творах московського періоду звучать часом інші настрої: у них виражена незадоволеність життям. Така увертюра-фантазія "Ромео і Джульєтта" (1869). Драматичний за своїм характером також створений в ці роки балет "Лебедине озеро" (1877).

Увертюра-фантазія - яскравий приклад того узагальненого підходу до втілення ідеї твору, який характерний для Чайковського. З шекспірівської глибиною композитор розкрив в музиці красу і вірність людського почуття. Разом з поетом він виніс суворий вирок жорстокості, забобонам і відсталості суспільного середовища, що оточує героїв. Увертюра - вираз глибокої скорботи про юних Джульєтті і Ромео. Але одночасно це твердження непорушності світлих піднесених ідеалів людини, його душевної краси.

Новаторство "Лебединого озера" - незвичайність і несхожість його на все попереднє - якщо і було не до кінця відразу зрозуміло, то відразу ж відзначено і публікою і критикою, хоча часом і викликало подив освічених меломанів. Одні Докоряли композитора в бідності творчої фантазії, одноманітності тим і мелодій, в деякій монотонності. Інші вважали, що музика прекрасна, більш того - навіть занадто хороша для балету. Проте прем'єра балету в московському Великому театрі (20 лютого 1877 року) пройшла з успіхом, і спектакль залишався в репертуарі до 1883 року, коли прийшли в повну непридатність декорації цієї постановки.

Перший відгук в пресі, де створення нового балету була оцінена по достоїнству, належав Г.А. Ларош: "По музиці" Лебедине озеро "- кращий балет, який я коли-небудь чув ... Мелодії, одна інший пластичнее, співуче і цікавіше, ллються як з рогу достатку; ритм вальсу, переважаючий між танцювальними номерами, втілений в таких різноманітних граціозних і підкуповують малюнках, що ніколи мелодійне зображення обдарованого і багатостороннього композитора не витримувала більше блискучого випробування ... "

Жанрова різноманітність характерно для оперного творчості Чайковського цих років: тут - і лірико-побутова драма (за Островським) "Воєвода", і лірико-фантастична опера "Ундіна" (на сюжет, перекладений Жуковським), історико-побутова опера "Опричник" (по роману Лажечникова), нарешті, найкраще з оперних творів "доонегінского" періоду - лірико-комічна опера "Коваль Вакула" за повістю Гоголя. Уже цим раннім операм притаманний цілий ряд яскравих творчих досягнень. Однак їм частіше бракує достатньої драматургічною цілісності, завершеності. Ось чому деякі зі своїх ранніх опер Чайковський згодом знищив, а оперу "Коваль Вакула" в 1880-х роках значно переробив. Опера в новому варіанті отримала назву "Черевички".

Незважаючи на інтенсивне творчість, Чайковський в ці роки приділяв багато часу педагогічної та музично-критичної роботі. Протягом майже 12 років він викладав в Московській консерваторії: вів курси теорії, гармонії, інструментування і твори. Улюбленим учнем Чайковського був Сергій Іванович Танєєв - видатний російський композитор і піаніст, що став його близьким другом. Педагогічна робота Чайковського справила благотворний вплив на розвиток російської професійної музичної освіти. Його особистий педагогічний досвід знайшов відображення в створених ним навчальних посібниках, з яких особливо велике значення має "Керівництво до практичного вивчення гармонії" (1871) - перший в Росії підручник для консерваторій з даного курсу, що належить російській автору.18 липня Петро Ілліч одружився на двадцятирічної Антоніні Мілюкова. "Це бідна, але добра дівчина з бездоганною репутацією, яка мене любить", - так її охарактеризував композитор. Але сам Чайковський відчував до неї лише платонічні почуття. Невдала одруження, нервове захворювання, викликане напруженою роботою, послужили причиною від'їзду Чайковського в Наприкінці 1877 року через Москви за кордон. В Італії композитором були завершені Четверта симфонія і опера "Євгеній Онєгін". Величезним було їх значення в біографії Чайковського. Підсумувавши попередній досвід, він одночасно відкрив в них нові, широкі горизонти для подальшої творчої діяльності. Поява цих творів стало видав-юшімся подією і в житті всього російського мистецтва. Симфонію Чайковський присвятив своєму "найкращому другові" - Н.Ф. фон Мекк. Розповідаючи Надії Філаретівна про зміст твору, Петро Ілліч наголошував, що симфонія стала "вірним відгомоном" всього пережитого їм в зиму 1876-1877 років, надовго залишив "спогади про пристрасності, жуткость випробуваних відчуттів". Це був час, коли композитором все більше опановували душевні протиріччя, незадоволеність. У цьому творі - своєї першої інструментальної драмі - Чайковський втілив ще більш виразно думка про єднання художника з народом, який може дати силу, повернути до життя після страждань і втрат.

У романі "Євгеній Онєгін" композитор бачив реальні і правдиві образи, глибоку життєву драму, яка відбувалася в умовах реальних, правдивих. Він глибоко проникся пушкінські образами, чистотою любові героїв, вірністю і розумінням їх почуття обов'язку і честі, їх піднесеною мрією і прагненням до ідеалу. Музична драматургія твору створена на єдиному мелодійному диханні, де один номер органічно переходить в інший, де вокальна мелодія монологів (арій або аріозо) за своєю співучості та інтонаційної виразності не відрізняється від речитативів - "музичних розмов" - діалогів. Композитор ніби виспівує вірші Пушкіна, подібно до того, як співають романси на вірші поетів, і складає надзвичайно широкі мелодії, що підкорюють одухотвореністю.

У 1880-х і на початку 1890-х років Чайковський звертається до нової тематики, новим образам, новим музичним жанрам і формам. Так, після ліричної опери "Євгеній Онєгін" він створює в 1879 році героїко-патріотичну оперу "Орлеанська Діва" за трагедією Шиллера. До історичного минулого відноситься і сюжет наступної опери - "Мазепа" (1883) за поемою "Полтава" Пушкіна. У ній на тлі історичних подій рас-покривається лірична драма дочки Кочубея - Марії. Наступна опера цього десятиліття - "Чародійка" (1887) за драмою І. А. Шпажинского - лірико-трагічна і водночас на-родно-побутова опера. На рубежі нового десятиліття - в 1890 році - з'являється видатний твір світової музичної класики - опера "Пікова дама" на сюжет однойменної повісті Пушкіна.

"Пікову даму" Чайковський створював як монооперу: через образ Германна - героя драми, - як крізь призму "пропускав" всі події та розвиток дії. У музиці він розкривав зміст, підтекст того, що відбувається не тільки на сцені, а й у душі кожного персонажа "Пікової дами". Подібно до того, як в своїх симфоніях, в цій опері композитор розробляв дві основні теми. Одну з них, пов'язану з таємницею трьох карт, складають два мотиви, з інтонацій яких виростають багато тем опери. Інша - тема любові. На розробку цих тем побудована музична драматургія всього твору.

У 1880-і роки композитор пише велику кількість різноманітних симфонічних та камерних творів. Вперше він звертається до жанру сюїти, пише програмну симфонію "Манфред" (1885), П'яту симфонію (1888). З'являються нові увертюри - «1812 рік» (1880), "Гамлет" (1888). На початку 1880-х років він створив блискучу, яскраво народне по мови "Італійське капричіо" для симфонічного оркестру, продовжуючи традиції іспанських увертюр Глінки. У ті ж роки Чайковський вперше звернувся до жанру тріо і написав свій відомий твір для рояля, скрипки і віолончелі, присвячене пам'яті М. Рубінштейна. У 1880-і роки він написав велику кількість психологічних романсів (наприклад, трагічний романс "На. Ниви жовті ..."), а поряд з цим - цикл світлих поетичних дитячих пісень. В кінці 1880-х років написаний другий балет Чайковського "Спляча красуня". Сюжет казки французького письменника Шарля Перро здався композитору "так поетичний, так вдячний для музики", що по приїзді в Петербург на початку листопада 1888 він почав з захопленням працювати над новим твором. У цьому фантастичному світі образів Чайковського приваблювала насамперед можливість знову втілити в музиці вічну проблему реальному житті: боротьбу Добра зі Злом, перемогу світлих ідеалів Краси, Радості, Любові.

Виключно різноманітно творчість композитора останніх трьох років життя. Відразу ж після "Пікової дами" був складений струнний секстет "Спогади про Флоренцію". Протягом 1891-1892 років створені світла, сонячна за характером камерна лірична опера "Іоланта" на сюжет драми датського письменника Герца і балет "Лускунчик" за казкою Гофмана (в обробці Дюма). Продовжувалася робота і в області романсу і камерно-інструментальних жанрів. Нарешті, в 1893 році з'явилася Шоста симфонія ( "Патетична", як назвав її сам автор) - вершина його симфонічного творчості. "У симфонію цю я вклав, без перебільшення, всю мою душу", - говорив композитор і вважав її одним з "наііскреннейшіх" своїх творів. "... Ця симфонія є вища, незрівнянно створення Чайковського. Душевні страждання, завмираюче відчай, безрадісне, що гризуть почуття втрати всього, чим жив до останньої хвилини людина, виражені тут із великою потугою й пронзительностью приголомшливий, - підкреслював пізніше В.В. Стасов. - Здається, ще ніколи в музиці не було намальовано щось подібне і ніколи ще не були виражені з такою незрівнянною талановитістю і красою такі глибокі сцени духовного життя ". У цей період написання музики цілком захопило Чайковського. Багато подорожуючи різними країнами (Італія, Швейцарія, Німеччина, Чехія та ін.) І живучи, в перервах між закордонними поїздками, то в Москві, то в Петербурзі, то у своєї сестри на Україні, в Кам'янці, Чайковський ні на жоден день не припиняв свого інтенсивної творчої праці. Однак і в ці роки він знаходив час і сили для музично-громадської і виконавської (диригентської) діяльності.

У 1885 році Чайковський був обраний директором Московського відділення Петербурзького камерного музичного товариства, а через рік - почесним членом Російського музичного товариства.Не будучи вже в ці роки педагогом Московської консерваторії, Чайковський проте продовжував проявляти великий, інтерес до її життя, відвідував іспити, концерти, постійно спілкувався з молодими композиторами, які завжди знаходили У нього рада, підтримку і щиру і неупереджену оцінку своїх творів. Починаючи з 1880-х років, його ім'я стає популярним не тільки в Росії, але і за кордоном. Чайковський з великим успіхом виступає як диригент симфонічних концертів і опер, здійснює ряд концертних поїздок по містах Європи, де виконуються його твори. Однією з тріумфальним була поїздка до Праги в 1888 році. Після неї Чайковський записав до свого щоденника: "Загалом, звичайно, це один з найбільш визначних днів мого життя. Я дуже полюбив цих добрих чехів. Та й є за що !!! Господи! Скільки було захвату, і все це не мені, а голубонько Росії ". З величезним ентузіазмом вшановували Чайковського та на музичних вечорах у Парижі, де він зустрів велику увагу до своєї творчості з боку видатних французьких музикантів. У 1891 році з великим успіхом пройшли концерти Чайковського в Америці, куди він був запрошений для участі в музичному фестивалі з нагоди відкриття найбільшого концертного залу - Карнегі-холу. Публіка і преса захоплено відгукувалися про великого російською композитора. У 1893 році в Англії Кембриджський університет присвоїв Чайковському звання доктора права, як геніальний музикант світу. Ще в 1885 році Чайковський відчув потребу в постійному домашньому вогнищі, де можна було б, після повернення з подорожей, цілком віддаватися творчості. Він оселився спочатку в околицях міста Клину - в Майданова, потім у Фроловському, а з 1891 року на околиці самого Клину. У Клину та його околицях в спілкуванні з коханою російської природою Чайковський створив свої найкращі твори, в тому числі і Шосту симфонію. Вона була вперше виконана в Петербурзі під керуванням автора. Через кілька днів Чайковський важко захворів. Хвороба виявилася смертельною. В ніч з 25 на 26 жовтня композитор помер. Життя великого російського музиканта обірвалася в той час, коли він був у розквіті сил і сповнений нових, різноманітних творчих задумів.

Твори

Шостакович "Сьома симфонія". Сьома симфонія Шостаковича, що отримала назву "Ленінградської" - чудовий зразок радянського симфонічного мистецтва.

Твір це стало полум'яним викривальним і гнівним відгуком чуйного радянського художника-патріота на суворі події Великої Вітчизняної війни. Підступне і віроломний напад німецького фашизму на нашу Батьківщину згуртувало всі сили нашого народу для відсічі жорстокому ворогові. Краща і найбільш ідейно значна частина Сьомої симфонії - перша, свого роду грандіозна симфонічна поема про мир і війну, в основі якої лежить конкретний програмний задум, викладений автором у спеціальному поясненні. Яскраві і вражаючі музичні образи сонатного allegro симфонії втілюють героїчну боротьбу радянського народу з фашистськими загарбниками, саме тут зосереджена основна драматичний зміст усього твору. У яскраво контрастних зіставленнях картин світу і війни, прекрасних образів рідної природи і радісного творчої праці, а з іншого боку - моторошних образів смерті, руйнування і варварського спустошення автору вдалося досягти великої реалістичної глибини, захоплюючого драматизму і разом з тим справжньої симфонічної узагальненості. Сьома симфонія - це поема про нашу боротьбу, про нашу прийдешній перемозі.

Бородін "Князь Ігор" - народно-епічна опера. Все разюче в "Князі Ігорі". По-перше, звичайно ж, геніальна музика. Епічний склад "Ігоря" проявляється в богатирських музичних образах, в масштабності форм, в неквапливому, як в билинах, протягом дії. Сам композитор вказував на її близькість до глінкінскому "Руслану".

У великій увертюрі, заснованої на мелодіях опери, протиставлені образи російських і половців. Середній епізод малює картину запеклої битви. Могутній хор прологу "Сонця червоному слава" (на справжній текст з "Слова") те саме суворим, велично-строгим наспівам древніх епічних пісень. Цим хором обрамлена зловісна оркестрова картина затемнення і речитативная сцена, в якій змальовані перелякані бояри, стривожена, любляча Ярославна, грубуватий Галицький і мужньо-непохитний Ігор.

Музика першої картини (перший акт) своїм відчайдушним, розглянемо характером різко контрастує настроям прологу. Пісня Галицького "Тільки б мені дочекатися честі" нагадує розгонисту хвацько танець. У хорі дівчат "Ой, ліхонько" тонко відтворено особливості жалібних народних голосінь. З удаваною важливістю звучить грубувато-комічна пісня скоморохів "Що у князя так Володимира".

У другій картині рельєфно окреслено образ чарівно жіночною, але вольовий Ярославни. У аріозо "Чимало часу пройшло з тих пір" виражена її туга і тривожні передчуття; цнотливо-стримана, сувора за характером музика поступово набуває пристрасно-схвильований характер. Далі дія драматизує, досягаючи найбільшої напруженості в сцені Ярославни з боярами. Хори бояр "Тримайся, княгиня" і "Нам, княгиня, не вперше" сповнені суворої, грізної сили.

Другий акт присвячений картинам половецького стану. У каватину Кончаковни "Меркне світло денне" чуються любовні заклики, жагуче млість, чуттєва нега. Поезією юнацького кохання, чарівністю розкішної південної ночі овіяна каватина Володимира "Повільно день згасав". Арія Ігоря "Ні сну, ні відпочинку" - багатогранний портрет головного героя; тут відображені і сумні думи про долю батьківщини, і пристрасна жага свободи, і почуття любові до Ярославлі. Владним, жорстоким і великодушним постає хан Кончак в своїй арії "Чи здоровий, князь?" Акт завершується сліпуче барвистими сценами танців, супроводжуваних хором. Контрастно чергуються плавна жіноча танець, неприборкана виконана стихійної сили чоловічий та стрімка, легка танець хлопчиків. Поступово все групи залучаються до буйно-темпераментний вихровий танець.

У третьому акті (в постановках цей акт зазвичай випускається) в зображенні половців на перший план виступають войовничість і жорстокість.

У четвертому акті музика розвивається від скорботи до загальної радості. Глибока, незнищенна печаль чується в аріозо Ярославни "Ах, плачу я", близькому народним голосінням. Аріозо виливається в народний плач - хор поселян "Ох, не буйний вітер завивав", який звучить як справжня російська протяжна пісня. Святково-урочистий фінальний хор "Знати, господь благання почув". Мені дуже сподобалося.

Чайковський "Пори року". По-моєму "Пори року" Чайковського - це щоденник композитора, де він увічнив дорогі серцю епізоди життя, зустрічі і картини природи. Пізніше його брат Модест Ілліч Чайковський згадував: "Петро Ілліч Чайковський любив життя. Кожен день мав для нього значущість і прощатися з ним йому було сумно від думки, що від усього пережитого не залишиться жодного сліду" Цим ліричним почуттям композитора, любов'ю до життя і захопленням нею наповнена музика одного з музичних шедеврів Чайковського, фортепіанного циклу "Пори року". Цей цикл з дванадцяти картин для фортепіано я б назвав енциклопедією російської садибної життя XIX століття. У циклі можна зустріти і безкраї російські простори, і сільський побут, і картини петербурзьких міських пейзажів, і сценки з домашнього музичного побуту російських людей того часу. Дванадцять п'єс - дванадцять картинок з життя Чайковського.

Январь "У камелька". Коминок - це специфічно російська назва каміна в дворянському будинку або будь-якого вогнища в селянському житлі. П'єса "У камелька" малює картинку з елегійні - мрійливим настроєм. Перший розділ її побудований на виразною темі, нагадує інтонації людського голосу. Це коротенькі фрази, вимовлені повільно, з розстановкою, в стані глибокої задуми.

Февраль "Масляна" - це картина народного гуляння, де мальовничі моменти поєднуються з звуконаслідуванням музиці гуляє натовпу, бешкетним звучанням народних інструментів. Вся п'єса складається ніби з калейдоскопа маленьких картинок, що змінюють одна одну, з постійним поверненням першої теми. За допомогою незграбних ритмічних фігур Чайковський створює картину з гучними і радісними вигуками натовпу, прітоптиваніем танцюють ряджених. Вибухи сміху і таємничий шепіт зливаються в одну яскраву і строкату картину свята.

Март "Пісня жайворонка". Картина весняного російського пейзажу намальована дуже простими, але виразними засобами. В основі всієї музики лежать дві теми: лірична мелодія зі скромним акордовим супроводом і друга з великими злетами і широким диханням. У переплетенні двох тем і відтінків настроїв полягає чарівна принадність всієї п'єси. Обидві теми мають елементи, які нагадують трелі весняної пісні жайворонка.

Апрель "Пролісок". П'єса "Пролісок" побудована на вальсообразном ритмі, вся пройнята поривом, злетом емоцій. У п'єсі три розділи. Перший і третій повторюють один одного. Але в середньому розділі немає яскравого образного контрасту, скоріше, тут деяка зміна настроїв, відтінків одного і того ж почуття.

Май "Білі ночі". Музика п'єси передає зміну суперечливих настроїв. П'єса складається з двох великих розділів, вступу і висновку, які незмінні і створюють обрамлення всієї п'єси. Вступ і висновок - це образ білих ночей. Перший розділ будується на коротких мелодіях - зітхання. Вони немов нагадують про тишу білої ночі на петербурзьких вулицях, про самотність, про мрії, про щастя. Другий розділ за настроєм поривчастий і навіть пристрасний. Хвилювання душі настільки зростає, що набуває захоплено-радісний характер. Після нього йде поступовий перехід до висновку (оздоблення) всієї п'єси. Все заспокоюється, і знову перед слухачем картина північній, білої, світлої ночі в величному і строгому у своїй незмінній красі Петербурзі. Чайковський був прив'язаний до Петербургу. Тут пройшла його юність, тут він став композитором, тут він пережив радість визнання і артистичного успіху, тут і завершив свій життєвий шлях і був похований в Петербурзі.

Червень "Баркарола". Барка - це італійське слово, означає човен. Баркароли в італійській народній музиці називалися пісні човняра, весляра. Особливо ці пісні були поширені в Венеції, місті на набережних незліченних каналів, по яких день і ніч пересувалися на човнах і при цьому співали. Пісні ці були співучими, і ритм і акомпанемент наслідували плавного руху човна під рівномірні сплески весел. В російській музиці першої половини XIX століття набули великого поширення баркароли. Вони стали невід'ємною частиною російської ліричної вокальної музики, а також знайшли своє відображення і в російської поезії і в живописі. "Баркарола" - ще один петербурзький музичний пейзаж в циклі Чайковського "Пори року". Навіть своєю назвою п'єса звернена до картинам водних каналів і численних річок, на берегах яких розташована північна столиця Росії. Тепло і виразно звучить широка пісенна мелодія в першій частині п'єси. Вона як би "розгойдується" на хвилях супроводу, що нагадує традиційні для баркароли гітарні переливи. В середині настрій музики змінюється і стає більш радісним і безтурботним, немов навіть чуються швидкі й гучні сплески хвиль. Але потім все заспокоюється і знову ллється мрійлива, чарівна по своїй красі мелодія, тепер уже в супроводі не тільки акомпанементу, а й другого мелодійного голосу. Звучить як би дует двох співаків. П'єса закінчується поступовим завмиранням всієї музики - немов човен віддаляється, а разом з нею віддаляються і зникають голоси і шум морських хвиль.

Липень "Пісня косаря". Косарі - це переважно чоловіки, які рано-рано вранці виходили в поле косити траву. "Пісня косаря" - це сцена з народної сільського життя. Основна мелодія містить інтонації, що нагадують народні пісні. У п'єсі три великі розділи. Вони близькі одна одній за характером.

Август "Жнива"."Жнива" - це велика народна сцена з селянського життя. В рукописи композитор зробив підзаголовок "Скерцо". І в дійсності, "Жнива" - це розгорнуте скерцо для фортепіано, малює яскраву картину з побуту російського хлібороба. У ній пожвавлення, підйом, характерний для великої спільної роботи селян. У середній частині картина змінюється на ліричний сільський пейзаж, характерний для середньо руської природи, на якому і розгортається сцена жнив. У зв'язку з цим музичним фрагментом пригадується вислів Чайковського: "Не можу зобразити, до чого чарівні для мене російська дерев ня, російський пейзаж ... "

Вересень "Полювання". Полювання - дуже характерна деталь російського побуту XIX століття. Цьому сюжету присвячено багато сторінок творів російської літератури. Пригадуються опису полювання про роман Л. Толстого, оповіданнях і повістях І. Тургенєва, картини російських художників. Полювання в Росії завжди була долею людей пристрасних, сильних і проходила дуже шумно, весело, в супроводі мисливських рогів, з безліччю мисливських собак. Полювання в дворянських маєтках в XIX столітті, в осінні місяці, була не стільки за необхідне промислом, скільки забавою, яка вимагала від її учасників мужності, сили, спритності, темпераменту і азарту.

Жовтень "Осіння пісня". "Осіння пісня" займає в циклі особливе місце. За своїм трагічного колориту вона є його змістовним центром, підсумком всієї розповіді про російського життя і життя російської природи. Жовтень, "Осіння пісня" - це пісня вмирання всього живого. В мелодії переважають сумні інтонації - зітхання. У середній частині виникає певне піднесення, трепетне наснагу, немов проблеснула надія на життя, спроба зберегти себе. Але Третій розділ, що повторює перший, знову повертає до початкових сумним "зітхань", і вже до зовсім безнадійному повного вмирання. Прикінцеві фрази п'єси з авторської позначкою "morendo", що означає, "завмираючи", як би не залишають жодної надії на відродження, на появу нового життя. Вся п'єса - це лірико-психологічна замальовка. у ній пейзаж і настрій людини злиті воєдино. Мені навіть пощастило виконати "Осінню пісню" Чайковського на заліку самостійних творів в музичному училищі імені Георга Отса. до з х пір згадую з яким душевним хвилюванням я її розучувала і з якою великою любов'ю піднесла свою виконану роботу слухачам.

Листопад "На трійці". Трійка - так називають в Росії коней, запряжених разом, під одним дугою. До неї часто підвішували дзвіночки, які при швидкій їзді лунко грали, переливаючись срібним звучанням. У Росії любили швидку їзду на трійках, про це складено чимало народних пісень. Поява цієї п'єси в циклі Чайковського сприймається, хоча і в досить елегійному тоні, але як реальна надія на життя. Дорога в нескінченних російських просторах, трійка коней - ось символи триваючого життя. Листопад Росії - це хоча і осінній місяць, але зима вже постає в своєму повному вигляді.

"Стоять морози, але сонце ще трохи греет.д.еревья покриті білою пеленою, і цей зимовий пейзаж до того прекрасний, що важко висловити словами", - писав Чайковський. П'єса починається широкою мелодією, що нагадує привільне російську народну пісню. Слідом за нею починають чутися відгомони сумних, елегійних роздумів. Але потім все ближче і ближче починають звучати дзвіночки, прикріплені на трійці коней. Веселий передзвін на час як би заглушає сумний настрій. Але потім знову повертається перша мелодія - пісня візника. Їй аккомп ніруют дзвіночки. Спочатку затихають, а потім зовсім тануть вдалині їх тихі звуки.

Грудень "Святки". "Святки" - має в рукописи композитора підзаголовок "Вальс". І це не випадково, вальс був в ті часи популярним танцем, символом сімейних свят. Основна мелодія п'єси витримана в стилі побутової музики, фрагменти якої чергуються з епізодами вальсу.

А завершується п'єса, і, разом з нею весь цикл безтурботному вальсом, домашнім святом навколо красивою Різдвяної ялинки.

У висновку хотілося б додати, що музика Чайковського - це душа російської людини, слухаючи її, розумієш, що він був геніальним композитором XIX століття.

Російський рок

Перші радянські рок-групи з'явилися ще в середині 1960-х на хвилі бітломанії. Однією з перших рок-груп, яка стала співати російською мовою, стала група "Олов'яні Солдатики", які можна почути, наприклад, в мультфільмі "Ну постривай" - у вигляді групи Дворняги, які виконують "У попа була собака", але за іншою версії - якої дотримувалися укладачі енциклопедії "100 магнитоальбомов Радянського Рока" - відлік радянської магнітофонного рок-культури розпочато з альбомів Юрія Морозова (1973 г)).

До кінця 1970-х - початку 1980-х в СРСР сформувалося повноцінне рок-рух, яке почало самоорганізовуватися не без допомоги влади. Щоб упорядкувати стихійний рух, в 1981 році був відкритий Ленінградський рок-клуб, перший рок-клуб в СРСР. Завдяки клубам, у рок-груп вперше з'явилася можливість легально записуватися і давати концерти, а у властей - тримати рокерів під наглядом. В цей час було проведено перший рок-фестиваль Тбілісі-80. Ця "відлига" дала поштовх другій хвилі російського року, особливо ленінградським групам - Кіно, Аліса і ін.

Однак в певних колах одним з перших рок-музикантів в СРСР вважають Олександра Градського. Народився 3 листопада 1949 Копейськ, Челябінська область в родині інженера Бориса Градського і артистки драматичного театру Тамари Павлівни Градськой.

Засновник третьої за часом створення (після "Братів" і "Сокола") радянської рок-групи "Слов'яни" (1965) і принесла йому найбільшу популярність - "Скоморохи" (1966). Також брав участь в групах: "Лос Панчос", "Скіфи", колективі польських студентів МДУ "Таргани", в складі яких виконував пісні Елвіса Преслі і твіст Арно Бабаджаняна "Пісня про Москву".

На початку 70-х режисер Андрон Міхалков-Кончаловський починав свою роботу над фільмом "Романс про закоханих". Композитором фільму повинен був стати Мурад Кажлаев, але він відмовився. Тоді Аркадій Петров запропонував кандидатуру Градського. Градський в цьому фільмі не тільки складав музику, але і виконував вокальні партії. Що вийшов в 1974 році фільм мав значний успіх і приніс популярність творцеві музики до фільму. Музичний журнал "Billboard" оголосив Градського "Зіркою року" (1974) "за видатний внесок у світову музику".

Випускник факультету сольного співу ГМПІ ім. Гнесіних (1974 рік). Голос Градського - середній за тембром між тенором-альтино і характерним тенором.

Автор рок-опери "Стадіон" (пам'яті Віктора Хари) (1985), музики до першого вітчизняного рок-балету "Людина" (за романом Редьярда Кіплінга).

Автор музики до більш ніж 40 художніх фільмів, кільком десяткам документальних і мультиплікаційних фільмів. Випустив понад 15 довгограючих дисків, автор кількох рок-опер і рок-балетів, безлічі пісень.

Питання 2. Вітчизняна живопис. Авангард

Дослідники вважають, що коріння російського живопису лежать в традиція східнослов'янського народу, який був добре відомий в Європі VI ст. І називався анти.

Як і всі інші держави Європи, до другої половини XI століття Русь пережила період національної роздробленості, і саме тоді російське мистецтво набуло свої неповторні, характерні риси. Мистецтво Київської Русі знаходилося на досить високому рівні, однак його важко назвати самобутнім, оскільки, прийнявши хрещення в X столітті, князь Володимир заодно запозичив і художні традиції Візантії, які химерно переплелися з язичницькими художніми принципами. Звичайно, східні слов'яни мали високорозвиненою культурою, а тому візантійські традиції досить швидко видозмінювалися відповідно до споконвічними російськими.

Власне російське мистецтво розвинулося з візантійсько-російського мистецтва Київської Русі. Далі воно розвивалося як мистецтво окремих князівств, що відокремилися від галицько-волинських, ростово-суздальських і новгородських земель. До XII сторіччя російське мистецтво можна вважати сформованим остаточно. На жаль, але розвиток російського живопису сильно загальмувався через важке татарського ярма, що тривав понад три сотні років.

Новий підйом в історії російського живопису почався в XV столітті, коли більшість земель об'єдналося навколо Москви. Цей вік часто називають золотим століттям давньоруського мистецтва. У цей час були створені твори, які стали класичними зразками московської школи. Розвиток російської культури відбувалося по шляху, загальним для країн Європи. Як на Заході, так і на Сході живопис була, перш за все, церковної, тому в першу чергу це іконопис і монументальний живопис - фрески.

Російська іконопис успадкована прийоми візантійських майстрів. У той же час на Русі зародилися свої традиції. Російські ікони були простою імітацією, але мали свій власний стиль, а такі майстри як Андрій Рубльов підняли рівень іконопису на нові висоти. Перші реалістичні портрети з'являються в Росії в XVII столітті, в середині-кінці XVIII століття в Росії з'являються такі великі живописці, як Левицький і Боровиковський. З того часу історія російського живопису слідувала загальносвітовим тенденціям. Видатні художники першої половини XIX століття стали Кипренский, Брюллов, Іванов ( "Явище Христа народу"). У другій половині XIX століття стався розквіт реалістичного живопису. Було засновано творче об'єднання російських художників "Товариство пересувних художніх виставок (передвижники)", яке є ключовим моментом у розвитку російського мистецтва. Художники-передвижники стали, свого роду, символом російського живопису 19 століття. Виник як реакція на мертве мертве мистецтво Академії Мистецтв, Товариство передвижників стало наймасовішим і впливовим мистецьким об'єднанням в історії Росії. Ніколи - ні до, ні після цього - мистецтво російських художників не було так близько і зрозуміло народним масам. В рядах передвижників запалилися і навічно засяяли найяскравіші зірки російського живопису - Саврасов, Суриков, Рєпін, Левітан, Куїнджі, Полєнов, Нестеров, Сєров і багато інших. Ці майстри підняли планку російського живопису на небачену досі висоту. Зрозуміло, історія мистецтва цим не вичерпується. Йшов час, і змінювалася історія. Людська цивілізація розвивалася, а разом з нею розвивалося і живопис. Середньовіччя, Епоха Ренесансу, Реформації, Новий і Новітній час принесли багато нових стилів і течій в живопис. Василь Іванович Суриков (1848-1916) - російський живописець, майстер масштабних історичних полотен.

Взяття сніжного містечка, 1891

Валентин Олександрович Сєров (1865-1911) - російський живописець і графік, майстер портрета.

Дівчинка з персиками, 1887

Ілля Юхимович Рєпін (1844-1930) - російський художник, живописець, майстер портретів, історичних і побутових сцен.

Іван Грозний і його син Іван 16 листопада 1581 року 1870-1873

Авангард - поняття, що об'єднує експериментальні, підкреслено незвичайні починання в мистецтві в 1900-і роки, умовне найменування художніх рухів і зв'язують їх умонастрої художників, для яких характерні прагнення до докорінного оновлення художньої практики, розриву з її усталеними принципами і традиціями, пошук нових засобів вираження , змісту і форм творів.

В авангарді переломилися найгостріші соціальні антагонізми епохи, відбилося відчай перед лицем суспільних катаклізмів, прагнення відшукати неординарні форми естетичного впливу на реальне життя.

Зліт мистецтва російського авангарду доводиться на перше десятиліття XX століття. Феномен мистецтва 20 в., Який визначається терміном "російський авангард", не співвідноситься з будь-якої конкретної мистецькою програмою або стилем. Цей термін остаточно закріплюється за радикальними новаторськими течіями, що складаються в російській мистецтві в передвоєнні - 1907-1914 рр., Що виходять на авансцену в роки революції і досягають зрілості в перший післяреволюційний десятиліття.

На різних історичних етапах першовідкривачами виступали змінювали один одного авангардні напрямки.У Росії це 10-е і 20-е роки - час, коли Кандинський, Малевич, Шагал та інші лідери нового мистецтва мали можливість вільно займатися творчістю, викладати і пропагувати свої ідеї. На початку XX століття - виникли тоді фовізм, кубізм, експресіонізм, футуризм, абстрактний живопис. Потім, як відомо, в культурній політиці більшовиків відбулися істотні зміни і авангард був витіснений тим, що згодом стало називатися соціалістичним реалізмом. Після Другої світової війни в кінці 1940-Х-1950-і рр. на перший план вийшли нові течії абстрактного мистецтва; в 1960-1970-х рр. висуваються різні форми акционізма, роботи з предметом (поп-арт), концептуальне мистецтво. Художнє відкриття, здатність до постійного самооновлення стали обов'язковим правилом авангардного мистецтва кінця XX століття.

Казимир Малевич (1878-1935) - російський художник-авангардист, один із засновників геометричного абстрактного мистецтва. У 1913 почав писати абстрактно-геометричні картини в стилі, який він назвав супрематизмом. Незважаючи на широку популярність, Малевич залишається поки одним з найзагадковіших і маловивчених художників.

Питання 3. Вітчизняна література

Кінець XIX - початок XX ст. стали часом яскравого розквіту російської культури, її "срібним століттям" ( "золотим століттям" називали пушкінську пору). У науці, літературі, мистецтві один за одним з'являлися нові таланти, народжувалися сміливі новації, змагалися різні напрямки, угруповання і стилі. Разом з тим культурі "срібного століття" були притаманні глибокі протиріччя, характерні для всієї російської життя того часу.

Стрімкий ривок Росії в розвитку, зіткнення різних укладів і культур міняли самосвідомість творчої інтелігенції. Багатьох уже не влаштовували опис і вивчення зримою реальності, розбір соціальних проблем. Притягували питання глибинні, вічні - про сутність життя і смерть, добро і зло, природі людини. Ожив інтерес до релігії; релігійна тема вплинула на розвиток російської культури початку XX століття.

Однак переломна епоха не тільки збагачувала літературу і мистецтво: вона постійно нагадувала письменникам, художникам і поетам про прийдешні соціальних вибухах, про те, що може загинути весь звичний уклад життя, вся стара культура. Одні чекали цих змін з радістю, інші - з тугою і жахом, що вносило в їх творчість песимізм і надрив.

На рубежі XIX і XX ст. література розвивалася в інших історичних умовах, ніж раніше. Якщо шукати слово, що характеризує найважливіші особливості розглянутого періоду, то це буде слово "криза". Великі наукові відкриття похитнули класичні уявлення про будову світу, привели до парадоксального висновку: "матерія зникла". Нове бачення світу, таким чином, визначить і нове обличчя реалізму XX в., Який буде істотно відрізнятися від класичного реалізму попередників. Також нищівні наслідки для людського духу мав криза віри ( "Бог помер!" - вигукнув Ніцше). Це призвело до того, що людина XX століття все більше став відчувати на собі вплив безрелігійних ідей. Культ чуттєвих насолод, апологія зла і смерті, оспівування свавілля особистості, визнання права на насильство, яке обернулося терором - всі ці риси свідчать про найглибшу кризу свідомості.

У російській літературі початку XX століття будуть відчуватися криза старих уявлень про мистецтво і відчуття вичерпаності минулого розвитку, буде формуватися переоцінка цінностей.

Оновлення літератури, її модернізація стануть причиною появи нових течій і шкіл. Переосмислення старих засобів виразності та відродження поезії ознаменують наступ "срібного століття" російської літератури. Термін цей пов'язують з ім'ям Н. Бердяєва, що вжив його в одному з виступів в салоні Д. Мережковського. Пізніше художній критик і редактор "Аполлона" С. Маковський закріпив це словосполучення, назвавши свою книгу про російську культуру рубежу століть "На Парнасі срібного століття". Пройде кілька десятиліть і А. Ахматова напише "... срібний місяць яскраво / Над срібним століттям холонув".

Хронологічні рамки періоду, що визначається цією метафорою, можна позначити так: 1892 - вихід з епохи лихоліття, початок громадського підйому в країні, маніфест і збірник "Символи" Д. Мережковського, перші оповідання М. Горького і т.д.) - 1917 рік. За іншою точкою зору, хронологічним закінченням цього періоду можна вважати 1921-1922 роки (крах колишніх ілюзій, що почалася після загибелі О. Блока та М. Гумільова масова еміграція діячів російської культури з Росії, висилка групи письменників, філософ і істориків з країни).

Російська література XX століття була представлена ​​трьома основними літературними напрямками: реалізмом, модернізмом, літературним авангардом.

Представники літературних напрямів:

Старші символісти: В.Я. Брюсов, К.Д. Бальмонт, Д.С. Мережковський, З. М. Гіппіус, Ф.К. Сологуб та ін.

Містики-богоіскателі: Д.С. Мережковський, З. М. Гіппіус, Н. Мінський.

Декаденти-індивідуалісти: В.Я. Брюсов, К.Д. Бальмонт, Ф.К. Сологуб.

Молодші символісти: А.А. Блок, Андрій Білий (Б. Бугайов), В.І. Іванов та ін.

Акмеїзм: Н.С. Гумільов, А.А. Ахматова, С.М. Городецький, О.Е. Мандельштам, М.А. Зенкевич, В. І. Нарбут.

Кубофутурісти (поети "Гілеї"): Д.Д. Бурлюк, В.В. Хлєбніков, В.В. Каменський, В.В. Маяковський, А.Е. Кручених.

Егофутуристів: І. Северянин, І. Ігнатьєв, К. Олімп, В. Гнедов.

Група "Мезонин поезії": В. Шершеневич, Хрисанф, Р. Ивнев і ін.

Об'єднання "Центрифуга": Б.Л. Пастернак, М.М. Асєєв, С.П. Бобров та ін.

Одним з найцікавіших явищ в мистецтві перших десятиліть XX століття було відродження романтичних форм, багато в чому забутих з часів початку минулого століття. Одну з таких форм запропонував В.Г. Короленка, чия творчість продовжує розвиватися в кінці XIX і перші десятиліття нового століття. Іншим виразом романтичного стало творчість А. Гріна, твори якого незвичайні своєю екзотичністю, польотом фантазії, невикорінній мрійливістю. Третьою формою романтичного з'явилася творчість революційних робочих поетів (Н. Нечаєва, Є. Тарасова, І. Привалова, А. Білозьорова, Ф. Шкульова). Звертаючись до маршів, байкам, закликів, пісням, ці автори поетизують героїчний подвиг, використовують романтичні образи заграви, пожежі, багряної зорі, грози, заходу, безмежно розширюють діапазон революційної лексики, вдаються до космічних масштабів.

Особливу роль у розвитку літератури XX століття зіграли такі письменники, як Максим Горький і Л.Н. Андрєєв. Двадцяті роки - складний, але динамічний і творчо плідний період у розвитку літератури. Хоча багато діячів російської культури виявилися в 1922 році виселеним з країни, а інші вирушили в добровільну еміграцію, мистецьке життя в Росії не завмирає. Навпаки, з'являється багато талановитих молодих письменників, недавніх учасників Громадянської війни: Л. Леонов, М. Шолохов, А. Фадєєв, Ю. Либединский, А. Веселий і ін.

Тридцяті роки почалися з "року великого перелому", коли різко були деформовані основи колишнього російського життєустрою, почалося активне втручання партії в сферу культури. Арештуються П. Флоренський, А. Лосєв, А. Воронский І Д. Хармс, посилилися репресії проти інтелігенції, які забрали життя десятків тисяч діячів культури, загинули дві тисячі письменників, зокрема М. Клюєв, О. Мандельштам, І. Катаєв, І . Бабель, Б. Пильняк, П. Васильєв, А. Воронский, Б. Корнілов. У цих умовах розвиток літератури відбувалося надзвичайно утруднено, напружено і неоднозначно.

Особливо розгляд заслуговує творчість таких письменників і поетів, як В.В. Маяковський, С.А. Єсенін, А.А. Ахматова, А.Н. Толстой, Є.І. Замятін, М.М. Зощенко, М.А. Шолохов, М.А. Булгаков, А.П. Платонов, О.Е. Мандельштам, М.І. Цвєтаєва.

Священна війна, що почалася в червні 1941 року, висунула перед літературою нові завдання, на які відразу ж відгукнулися письменники країни. Більшість їх виявилося на полях битв. Більше тисячі поетів і прозаїків вступили до лав діючої армії, ставши прославленими військовими кореспондентами (М. Шолохов, А. Фадєєв, Н. Тихонов, І. Еренбург, Вс. Вишневський, Є. Петров, А. Сурков, А. Платонов). Твори різних родів і жанрів включилися в боротьбу з фашизмом. На першому місці серед них була поезія. Тут треба виділити патріотичну лірику А. Ахматової, К. Симонова, Н. Тихонова, А. Твардовського, В. Саянова. Прозаїки культивували свої самі оперативні жанри: публіцистичні нариси, репортажі, памфлети, розповіді.

Наступним великим етапом у розвитку літератури століття був період другої половини XX століття. В межах цього великого відрізка часу дослідники виділяють кілька відносно самостійних періодів: пізнього сталінізму (1946-1953 рр.); "Відлиги" (1953-1965 рр.); застою (1965-1985 рр.), перебудови (1985-1991 рр.); сучасних реформ (1991-1998 рр.) Література розвивалася в ці дуже різні періоди з великими труднощами, відчуваючи поперемінно непотрібну опіку, згубний керівництво, командний окрик, послаблення, стримування, переслідування, розкріпачення.

поети

Сергій Олександрович Єсенін - знаменитий російський поет, народився 21 вересня 1895 року в селі Константиново Рязанської губернії в селянській родині. Коли Сергію виповнилося 3 роки, його мати пішла від чоловіка до батьків, а незабаром вирушила в Рязань на заробітки, залишивши сина на піклування дідуся і бабусі. Можливо, саме бабуся вплинула на майбутнє внука, розповідаючи йому російські народні казки, наспівуючи пісні і частівки.

У 1909 році Сергій закінчив Костянтинівське училище і продовжив навчання в Спас-Клепиковських учительській школі. Після її закінчення отримав спеціальність "Вчитель школи грамоти". Однак в 1912 році Сергій поїхав до Москви і став працювати в м'ясній крамниці батька. Постійні сварки з батьком, не схвалюють заняття сина віршами, змусили його незабаром залишити це заняття і перейти на роботу коректора в друкарню. Там він познайомився зі своєю першою дружиною Ганною Ізрядновой, від якої через рік у нього народилася перша дитина. У той же час Єсенін навчався на історико-філософському факультеті Московського міського народного університету, закінчити який йому так і не вдалося.

У 1913 він вступає в літературно-музичний гурток Сурикова і незабаром стає членом редакційної комісії. Через рік його вірші з'являються в дитячих журналах. Але Єсенін не був задоволений життям в Москві і незабаром переїхав до Петрограда. Там поет, нарешті, отримує належне визнання з боку вже відомих в той час А.А. Блоку і Городецького. Вірші поета починають з'являтися в столичних журналах, крім того, він вступає до літературної групи "Краса" і літературно-мистецьке товариство "Страда".

У 1916 році Єсеніна закликають в армію, де він, завдяки старанням впливових друзів, призначається санітаром в Царськосельський військово-санітарний поїзд. Тоді ж в 1916 році виходить перша збірка віршів Єсеніна "Радуниця". Він був дуже добре прийнятий критиками, заметившими деяку новизну і свіжість в творчості молодого поета.

У 1918 з'являється друга книга "Голубень". Вона знову отримує схвалення критиків і закріплює за Єсеніним славу кращого поета селянської Росії. Основною темою творчості поета як і раніше залишається чудова російська природа. Причому зображує її поет особливо, часто наділяючи рослини (образи яких він часто використовував у своїй творчості) людськими почуттями і душею. Завдяки цьому поезія Єсеніна стає особливо живий. Йому, який народився на селі, як нікому іншому зрозуміло те, що відчуває природа з приходом зими або весни.

Поезія Єсеніна дивним чином поєднує в собі смуток про важкому для Росії часу, злиднях і розрусі з пишністю загальної картини російської природи. На відміну від більшості поетів і письменників свого часу, він у своїй творчості намагається якомога менше уваги звертати на події, що відбуваються в суспільному і політичному житті батьківщини, але в той же час висловлює смуток і тугу особливим способом. Дуже часто в творах поета зустрічаються такі слова як "край", "Русь", "батьківщина". Він справжній патріот своєї країни, якому не байдуже те, що з нею буде.

У його віршах поета практично все живе, дихає, відчуває як людина.Причому всі ці почуття близькі і зрозумілі самому Єсеніну. Але основними образами віршів Єсеніна все ж залишаються дерева. Не випадково поета іноді називають автором "деревного роману". Адже саме йому властиво наділення дерев людськими рисами. Напевно, ні в одного іншого поета не приділяється стільки уваги клёну, вербі, липі горобині і черемхи. З кожним деревом у поета пов'язаний певний образ. Береза, зокрема завдяки Єсеніну стала символом російської природи в поезії і символом Росії взагалі. У міру дорослішання захопленість поета поступово змінюється смутком по йде молодості. Вона проявляється і в його творах ( "відрадила гай золота ...", "Не шкодую, не кличу, не плачу ..."). Переживання поета також пов'язані з сумом про покинутий рідному домі (вірші "Я покинув рідний дім ...", "Низький будинок з блакитними віконницями ...").

На початку 20-х років у творчості Єсеніна був період, коли особисті проблеми змусили його трохи змінити тематику своєї творчості. Душевний і творча криза висловився в збірниках "Сповідь хулігана" і "Москва шинкарська". У них поет постав скандалістом, хуліганом і п'яницею. Однак при згадці творчості Єсеніна всім, перш за все, згадуються чудові картини російської природи, намальовані ним в своїх віршах і знаменита російська береза, що стала в віршах С.А. Єсеніна символом російської душі і Росії.

Трохи менше уваги поет приділяє тваринам, але все ж зображує їх особливим чином, показуючи їх близькість до людини. Особливо добре це виражено у віршах "Пісня про собаку", "Лисиця", "Корова" та інших.

Важливою подією в житті поета стала його зустріч з американською танцівницею Айсідора Дункан. Незабаром вона стала не тільки його музою, а й дружиною. Разом з Дункан Єсенін деякий час подорожував по Європі і Америці: поет побував в Німеччині, Бельгії, Франції, Італії, США. Однак, як і попередні шлюби Єсеніна, цей виявився недовгим: після повернення на батьківщину поета вони розлучилися.

Натхнення Єсеніна, з яким він зустрів революцію, швидко змінилося розчаруванням. Звичайно, після війни у ​​всій країні панувала розруха, а до мистецтва нікому не було діла. Єсенін виступив з критикою уряду, в результаті чого почалося його переслідування. У газетах почали з'являтися статті про п'яних дебоші поета. Єсеніну довелося ховатися: він їздив на Кавказ, повертався на батьківщину в Константиново. У 1925 він навіть ліг в психоневрологічну клініку, де його досить важко було відшукати. Однак незабаром про місцезнаходження Єсеніна стало відомо, але професор клініки відмовився видати поета. Незабаром він, змішавшись з натовпом відвідувачів, все ж зумів покинути лікарню, за якою велося спостереження.

28 грудня 1925 року їх стало. Довгий час вважалося, що поет покінчив життя самогубством, проте розслідування, проведене в останні роки, показало, що це цілком могло бути вбивство. Про причини смерті поета суперечки не припиняються досі, проте більшість схильні вважати останню версію реальнішою.

За свою досить коротке життя поет зміг залишити про себе велику пам'ять. Його вважають одним з істинно російських поетів, а його особливий неповторний стиль відомий далеко за межами Росії, але все ж краще за все він зрозумілий і близький саме російській людині.

Олександр Олександрович Блок народився 16 листопада 1880 року в Петербурзі. Його батько, Олександр Львович, був професором права в Варшавському університеті, а мати, Олександра Андріївна, письменницею і перекладачкою. Дитинство Олександр провів в основному в будинку діда, на літо виїжджаючи в підмосковний маєток матері Шахматова. Закінчив Введенскую гімназію, після чого вступив на юридичний факультет Петербурзького університету, однак, провчившись там три роки, вирішив перейти на історико-філологічний факультет. У 1903 році Олександр одружився з донькою знаменитого російського вченого Дмитра Івановича Менделєєва.

Писати вірші Олександр почав ще в дитинстві, але серйозно займатися поезією став лише на початку XX століття. Творчий дебют поета відбувся в 1903 році в журналі новий шлях. Через рік він знайомиться з Андрієм Білим, який став одним з найбільш близьких друзів поета. Також кілька віршів поета були опубліковані в збірці віршів студентів Імператорського Санкт-Петербурзького університету. Незабаром був надрукований і власну збірку Блоку "Вірші про прекрасну даму".

Важливу роль в житті і творчості Блоку зіграли події революції 1905 року. У творах цього періоду переважають різні стихії (хуртовина, заметіль). Змінюються і головні герої творів. Ними, як і раніше залишаються жінки, але Прекрасну Даму змінюють містичні і таємничі Незнайомка і Снігова маска. У той час поет був уже досить популярний, його вірші друкували в різних журналах - "Питання життя", "Терези", "Золоте руно" - і газетах "Мова", "Слово", "Час". Причому далеко не всі твори Блоку поетичні, він пише сценарії для театру, а також виступає в якості критика. З 1907 року він навіть стає главою критичного одягла в журналі "Золоте Руно".

Розвиваються відносини поета з іншими літераторами цього часу. Він стає постійним відвідувачем "Кружка молодих", в який входять діячі мистецтво нового часу. У той же час Блок знайомиться з актрисою театру Волохова. Саме їй були присвячені збірки "Снігова маска" і "Фаїна". За ними слідують збірники "Несподівана радість" і "Земля в снігу", а також п'єси "Незнайомка" і "Пісня Долі". Цей період у творчості Блоку взагалі досить плідний: він не тільки пише безліч творів і публікує критичні статті, а й виступає з доповідями в Санкт-Петербурзькому релігійно-філософському суспільстві.

Основною темою творчості Блоку стає проблема взаємин народу і інтелігенції, яка намагається в цей час допомогти йому. У Блоку стає все більше творів, присвячених батьківщині, при цьому він з'єднує цей образ з образом коханої. Однак публіцистичні статті цього періоду досить холодно зустріли критиками. Сам поет теж зрозумів, що звернення до народу через пресу у нього не вийшло, і поступово став відходити все далі від публіцистики, повернувшись до своєї улюбленої поезії. У 1909 році поет відвідує Італію. Підсумком цієї поїздки став цикл "Італійські вірші".

Після цього сам Блок відчув, що на даному етапі творчості йому необхідно взяти паузу. А тут якраз і виявилося спадок батька, отримане після його смерті в 1909 році. Воно дозволило Блоку не думати про заробіток на власних творах і зосередиться на довгострокових проектах.

У цей час поет повністю самоусунувся від публіцистичної діяльності та участі у громадському літературного життя. У 1910 році він починає роботу над епічною поемою "Відплата". Через рік виходить збірка "Нічні годинник", а пізніше Блок створює п'єсу "Роза і Хрест". Після цього Блок займається переробкою вийшли раніше книг, результатом чого стає тритомне зібрання творів. Цей збірник перевидавався кілька разів, ще за життя поета. Вони доповнювалися творами, написаними в цей період - цикл "Кармен", поема "Солов'їний сад" і деякими іншими.

У 1916 році Блоку закликають в армію, де він служить табельщиком в інженерно-будівельної дружині під Пинском. Після революції 1917 року Блок повертається на батьківщину і входить до складу комісії, яка розслідує злочини царського уряду. Там він займається редагуванням стенографічних звітів. За підсумками цієї події Блоком була написана книга "Останні дні імператорської влади".

Після революції він знову повертається до публіцистики. У газеті "Знамя труда" з'являється його цикл статей "Росія і інтелігенція". Незабаром з'явилася поема "Дванадцять" і вірш "Скіфи". Критика насторожено поставилася до цих творів, як до невідповідним необхідним уявленням про революцію, проте віддавала належне його близькості до народу.

Крім того, в 1918 починається новий етап в прозовій творчості поета. Він виступає з доповідями на засіданнях Вільної філософської асоціації, а також пише кілька фейлетонів. З 1918 року він почав працювати з Театральним відділом, а пізніше з Великим Драматичним театром. Також Блок стає членом редакційної колегії видавництва "Всесвітня література", а в 1920 році - головою Петроградського відділення Спілки поетів.

На відміну від С.А. Єсеніна, найчастіше використав образи рослин, Блок більше уваги приділяв образам стихій, особливо вітру. Часто в творчості поета зустрічаються такі явища як заметіль, хуртовина, буран. Сам тон віршів Блоку завжди стрімкий, що мчить кудись у далечінь. Часто зустрічаються описи заходу, пофарбованого вогняними або кривавими фарбами. Навіть зірки у нього не стоять на місці.

Також швидко і стрімко пронеслася і саме життя поета. Він, як і багато творчих людей, спочатку випробувавши недовгий підйом після революції, розчарувався в ній, вірніше в її результатах. Жорсткі рамки, в яке стали заганяти творчість, природно, не влаштовували поета. Незабаром розчарування і депресія перейшли в психічний розлад, і хвороба сердца.7 серпня 1921 року поета не стало.

Осип Еміл'евіч Мандельштам - російський поет-символіст, прозаїк, перекладач, один з головних діячів акмеїзму. Народився 3 січня 1891 року в купецької сім'ї, закінчив Петербурзький університет. Творчість Мандельштама являє собою художнє вираження свідомості великої буржуазії в епоху між двома революціями. Дебют в літературі відбувся в 1910 році (перша публікація).

Серед акмеїстів Осип займає особливе місце. Ахматова дала зразки лірики буржуазного шкоди. У Гумільова найбільш яскраво виражені наступально-хижацькі тенденції російського імперіалізму, але піднімається нова хвиля робочої революції в 1912 - 1914, а найбільше Жовтень 1917 року, пофарбували цей вислів почуттям історичної приреченості. Мандельштам же висловив переважно страх свого класу перед якими б то не було соціальними змінами, твердження нерухомості буття.

Для поезії Мандельштама характерна тяга до класичних зразків, велемовні строгість, культ історичних мотивів (древній імператорський Рим, Еллада, Палестина) і в той же час повний индифферентизм до сучасності. Навіть ультрасучасний теніс осмислюється поетом через "аттические" образи. Позачасовість своєї поезії Мандельштам підкреслено декларує: "Ніколи нічий я не був сучасник". Для світогляду Мандельштама характерний крайній фаталізм і холод внутрішнього байдужості до всього того, що відбувається. Дійсність сприймається ним лише з точки зору ілюзорною нерухомості її форм. Річ як даність - одна з улюблених його естетичних категорій.

Закономірна тяга Мандельштама до закінчено-врівноваженим образам, запозиченим зі світу архітектурних і скульптурних уявлень; вони за своєю нерухомою природі найбільш відповідають "чистому спокою", якого так завзято шукає Осип Мандельштам. Любов поета до повноцінним і повнозвучним словами кладе на всю його поезію відбиток художнього лаконізму. Класичні метри Мандельштама, лише у виняткових випадках порушуються іпостасями, служать засобом ритмічного виділення окремих слів, які купують таким чином відому самодостатню цінність. Цю ж функцію в його стилі несуть повнозвучні точні рими.

Мистецтво розуміється Мандельштамом як "цінності непорушна скеля над нудними помилками століть". Крайній буржуазний індивідуалізм поета розгорнуто в ряді основних мотивів творчості. "Справжнє" мистецтво усвідомлюється Мандельштамом як самозадоволення самотність. Передчуття соціальної катастрофи в передреволюційної творчості Осипа Емільовича виразилося в мотивах смертної скорботи, у відчутті світу "хворобливого і дивного", від якого автор ретельно відгороджується стіною байдужості, фаталізму.

Жовтнева революція не справила ніяких зрушень в поетичній творчості Мандельштама. Як і раніше для його віршів продовжує бути характерним класичний холод історичних образів. Величезна сила інерції, що зберігала свідомість поета нарочито відгородженим від процесів, що відбуваються в дійсності, - дала поетові можливість аж до 1925 року зберегти позицію абсолютного соціального індиферентизму, цієї специфічної форми буржуазної ворожнечі до соціалістичної революції. Для цього періоду надзвичайно характерна велика вірш "Знайшов підкову" (1923 рік), де декларовано принцип інерції як "одвічної" категорії. Новизна відбувається підкреслено заперечується: "Все було у давнину, все повториться знову, І солодкий нам лише пізнавання мить". У цій формулі знайшло собі закінчене вираження ідеалістичне істота творчого методу Мандельштама, для якого будь-яка зовнішня зміна усвідомлюється як оновлене "впізнавання" незмінно існуючого.

Класова логіка цієї творчої концепції зводиться до досить поширеній серед буржуазних ідеологів і художників "прийому" заперечення реальності змін, викликаних Жовтнем.Це лише надзвичайно "сублімоване" і зашифроване ідеологічне увічнення капіталізму і його культури. Однак пооктябрьский дійсність, фаталістично "прийнятна" Мандельштамом як неминучість, починає все ж викликати в поета ворожі реакції: "Розбитий твій хребет, мій прекрасний, жалюгідний століття". Нарешті, приходить і гірке визнання свого соціального вмирання - "час зрізає мене".

1925 знаменує для Мандельштама перехід до прози, довше зберігати в недоторканності ілюзорний світ класичної гармонії вірша було для нього неможливо. "Шум часу" - збірник спогадів про 90-х роках минулого століття, про 1905 рік, про Феодосію часу врангельщіни. У ньому Мандельштам з великою любов'ю розповідає про ліберально-буржуазної інтелігенції, чітко усвідомлюючи заднім числом нікчемність і безперспективність її шляхів. "Хлопчики тисяча дев'ятсот п'ятого року йшли в революцію з тим же почуттям, з яким Ніколенька Ростов йшов в гусари, - то було питання закоханості і честі".

Лірична повість "Єгипетська марка" (1928 рік) знаменує остаточно розпад художньої системи Мандельштама. Догляд в божевільною ірраціоналізм поєднується з вульгаризаторські зниженням старих класичних образів. Наприклад, образ розореного буржуа-рантьє розгортається як міф про старця пергамент, "стригучий купони". Мотив страху революції поєднується з визнанням повного свого краху: "Все зменшується, все тане. І Гете тане. Невеликий нам відпущений термін". "Дивно подумати, що наше життя - це повість без фабули і героя, зроблена з порожнечі і скла, з гарячого белькотіння одних відступів, з петербурзького інфлуенцного марення".

Крім віршів і прози у Мандельштама є книжка статей про поезію, написаних в дусі імпресіоністичного ідеалізму. Перу Осипа Емільовича належить стаття "Ранок акмеїзму" - один з найзначніших теоретичних маніфестів школи (тижневик "Сирена", Воронеж, 30 / I - 1919). У ній Мандельштам декларує вищу в порівнянні з буттям "дійсність мистецтва". Одночасно акмеизм характеризується тут як "охопила духом будівництва", проголошується "реальність матеріалу" мистецтва, заперечується символістська "надземного" його, проголошується культ середньовіччя, де була "благородна суміш розсудливості і містики і відчуття світу як живого рівноваги". Все це ще раз вказує на буржуазний і контрреволюційний характер акмеїзму, школи войовничого буржуазного мистецтва напередодні пролетарської революції.

Питання 4. Історія вітчизняної скульптури

Виникнення скульптури, що відноситься до первісної епохи, безпосередньо пов'язане з трудовою діяльністю людини і магічним віруваннями. У палеолітичних стоянках, відкритих в багатьох країнах (в тому числі і в Радянському Союзі), виявлені різноманітні скульптурні зображення тварин і жінок - попередниць роду, до яких належать і т. Н. палеолітичні Венери. Ще ширше коло неолітичних скульптурних пам'ятників. Кругла скульптура, зазвичай невеликих розмірів, різала з м'яких порід каменю, з кістки і дерева; рельєфи виконувалися на кам'яних пластинах і стінах печер. Скульптура часто служила засобом прикраси начиння, знарядь праці і полювання, використовувалася як амулети.

Прикладом пізньої неолітичної і енеолітичної скульптури на території СРСР є трипільська керамічна пластика, крупні кам'яні зображення людей ( "кам'яні баби"), скульптурні прикраси з бронзи, золота, срібла та ін. Хоча для первісної С. типова спрощеність форм, вона нерідко відрізняється гостротою життєвих спостережень і яскравою пластичною виразністю.

Християнська релігія як основна форма світогляду багато в чому визначила характер європейської скульптури середніх віків. Як необхідна ланка скульптура входить в архітектурну тканину романських облад, підкоряючись суворої урочистості їх тектонічного ладу. У мистецтві готики, де рельєфи і статуї апостолів, пророків, святих, фантастичних істот, а деколи і реальних осіб буквально заповнюють портали соборів, галереї верхніх ярусів, ніші башточок і виступи карнизів, скульптура грає особливо помітну роль. Вона як би "олюднює" архітектуру, підсилює її духовну насиченість. У Древній Русі високого рівня досягло мистецтво рельєфу (київські шиферні рельєфи, оздоблення володимиро-суздальських храмів).

Стрімко наростають декоративні тенденції: скульптура буквально сплітається з архітектурою церков, палаців, фонтанів, парків. В епоху бароко створюються також численні парадні портрети і пам'ятники. У російській скульптурі з початку 18 ст. відбувається перехід від середньовічних релігійних форм до світських; розвиваючись в руслі загальноєвропейських стилів - бароко та класицизму, вона поєднує пафос затвердження нової державності, а потім і просвітницьких цивільних ідеалів з усвідомленням нововідкритій пластичної краси реального світу. Величним символом визначилися в петровську епоху нових історичних устремлінь Росії став пам'ятником Петру I в Петербурзі роботи Е.М. Фальконе.

Прекрасні зразки паркової монументально-декоративної скульптури, дерев'яного різьблення, парадного портрета з'являються вже в 1-ій половині 18 ст. (Б.К. Растреллі і ін.). У 2-ій половині 18 - 1-й половині 19 ст. складається академічна школа російської скульптури, яку представляє плеяда видатних майстрів. Патріотичний пафос, величавість і класична ясність образів характеризують творчість Ф. І. Шубіна, М. І. Козловського, Ф.Ф. Щедріна, І.П. Мартоса, В.І. Демута-Малиновського, С.С. Піменова. Тісний зв'язок з архітектурою, рівноправне становище в синтезі з нею, узагальненість образного ладу типові для скульптури класицизму. У 1830-40-і рр. в російській скульптурі все більше проступає прагнення до історичної конкретності образу (Б.І. Орловський), до жанрової характерності (П.К. Клодт, Н.С. Піменов).

У 2-ій половині 19 ст. в російській скульптурі знаходить відображення загальний процес демократизації мистецтва. Класицизму, який тепер перероджується в салонне мистецтво, протистоїть реалістичний рух з його відкрито вираженою соціальною спрямованістю, визнанням повсякденного життя, гідного уваги художника, зверненням до теми праці, до проблем суспільної моралі.

Реалістична російська скульптура 2-ої половини 19 ст. розвивається під сильним впливом живопису передвижників. Характерна для останніх глибина роздумів над історичними долями батьківщини відрізняє і скульптурну творчість М.М. Антокольського.

У скульптурі затверджуються сюжети, взяті з сучасного життя, селянська тема (Ф. Каменський, М.А. Чижов, В.А. Беклемишев, Е.А. Лансере).

У реалістичному мистецтві 2-ої половини 19 ст. догляд багатьох майстрів від прогресивних суспільних ідей став однією з причин занепаду монументально-декоративної скульптури. Іншими його причинами були історично неминуча в умовах розвиненого капіталізму втрата скульптурою можливості висловлювати загальнозначущі ідеали, порушення стилістичних зв'язків скульптури з архітектурою, поширення натуралістичних течій. Спроби подолання кризи типові для скульптури кінця 19 - початку 20 ст. У пошуках стійких духовних і естетичних життєвих цінностей вона розвивалася різноманітними шляхами (імпресіонізм, неокласицизм, експресіонізм і т.д.).

Виявом прогресивних тенденцій російської скульптури цього періоду стає мистецтво С.М. Волнухина, І.Я. Гинцбурга, П.П. Трубецького, А.С. Голубкіної, С.Т. Коненкова, А.Т. Матвєєва, Н.А. Андрєєва. Разом з оновленням змісту змінюється і художню мову скульптури, підвищується значення пластично-виразної форми.

В умовах кризи буржуазної культури в 20 столітті розвиток скульптура приймає суперечливий характер і часто пов'язане з різними модерністськими течіями і формалистическими експериментами кубізму, конструктивізму, сюрреалізму абстрактного мистецтва і т.п. Модерністські тенденції в скульптурі, поривають з національними реалістичними традиціями, призводять до повної відмови від зображення дійсності, нерідко - до створення декларативно антигуманістичних образів.

Модерністським течіям послідовно протистоїть радянська скульптура, яка розвивається за шляху соціалістичного реалізму. Її становлення невіддільно від ленінського плану монументальної пропаганди, на основі якого були створені перші революційні пам'ятники і пам'ятні дошки, а в подальшому багато значні твори монументальної скульптури.

У пам'ятках, споруджених в 20 - 30-х рр. (В. І. Леніну, скульптор С.А. Євсєєв, і С.М. Кірову, скульптор Н.В. Томський, - в Ленінграді; К.А. Тімірязєва, скульптор С.Д. Меркуров і Н.Е. Бауманн , скульптор Б.Д. Корольов, - в Москві; Т.Г. Шевченка в Харкові, скульптор М.Г. Манізер), в монументально-декоративної скульптури, який прикрашав великі громадські будівлі, станції метрополітену. Центральними в скульптурі 20 - 30-х рр. стають тема революції ( "Жовтень" А.Т. Матвєєва), образ учасника революційних подій, будівельника соціалізму. У станкового С. велике місце займають портрет ( "Ленініана" Н.А. Андрєєва; роботи А.С. Голубкіної, С.Д. Лебедєвої, В.Н. Домогацкого і ін.), А також зображення людини-борця ( "Камінь - оружие пролетариата "І.Д. Шадра), воїна (" Вартовий "Л.В. Шервуда), робітника (" Металург "Г.І. Мотовілова).

Розвивається анімалістична скульптура (І. Єфімов, В.А. Ватагин), помітно оновлюється скульптура малих форм (В.В. Кузнєцов, Н.Я. Данько і ін.). У роки Великої Вітчизняної війни 1941-45 на перший план виступає тема Батьківщини, радянського патріотизму, комунізму, ідеї існуючого ладу, особистостей епохи втілилася в портретах героїв (В.І. Мухіна, С.Д. Лебедєва, Н.В. Томський), в напружено-драматичних жанрових фігурах і групах (В.В. Лішев, Е.Ф. Белашова і ін.).

Трагічні події і героїчні звершення військових років знайшли особливо яскраве відображення в скульптурі меморіальних споруд 40 - 70-х рр. (Є. Вучетич, Ю. Мікенас, Л.В. Буковський, Г. Йокубоніс і ін.). У 40 - 70-х рр. скульптура відіграє активну роль декоративного або просторового організуючого компонента в архітектурі громадських будівель і комплексів, використовується при створенні містобудівних композицій, в яких поряд з численними новими пам'ятниками (М.К. Аникушин, В.З. Бородай, Л.Є. Кербель, А. П. Кибальников, Н. Нікогосян, В. Е. Цигаль та ін.) важливе місце належить садово-паркової скульптури, статуям на автострадах і під'їзних шляхах до міста, скульптурному оформленню житлових кварталів і т.п. Для скульптури малих форм, проникає в побут, примітно прагнення естетично індивідуалізувати сучасний інтер'єр.

Гостре почуття сучасності, пошуки шляхів оновлення пластичної мови характерні для станкової скульптури 2-й половини 50 - 70-х рр. Спільними для багатьох національних шкіл радянської скульптури є прагнення втілити характер сучасної людини - будівника комунізму, звернення до тем дружби народів, боротьби за мир. Ті ж тенденції властиві й скульптурі інших соціалістичних країн, що висунула ряд великих майстрів (К. Дуніковський в Польщі, Ф. Кремер в НДР, А. Августінчич в Югославії, Ж. Кішфалуді-Штробль в Угорщині і ін.).

У західно-європейській скульптурі реакція проти фашизму і війни викликала активізацію найбільш прогресивних сил, сприяла створенню творів, пройнятих високим гуманістичним пафосом (скульптори М. Мадзакураті, Дж. Манцу в Італії, В.В. Аалтонен в Фінляндії та ін.).

Скульптура передових художників пропагує прогресивні ідеї сучасності, з особливою широтою, епічністю і експресією відтворює історичні і сучасні події, в той час як представники різних модерністічеських течій поривають живий зв'язок з реальністю, йдучи від актуальних життєвих проблем в світ суб'єктивної фантастики і формалістичних експериментів.

Питання 5. Історія вітчизняної архітектури

Історія російської архітектури налічує понад тисячоліття. Це складна історія взаємодії з архітектурою різних країн, створення і розвитку власної традиції, і потім довгих суперечок про самобутність архітектури Росії.

Перші кам'яні храми Київської Русі були побудовані грецькими візантійськими майстрами.Вони стали вчителями російських зодчих. Таким чином, Русь була долучена до традиції кам'яного (і цегельного) будівництва, висхідній до Стародавнього Риму. Однак, як і в інших європейських країнах, в Київській Русі до прийняття християнства існувала власна традиція дерев'яного будівництва, на довгий час визначила вигляд сільських будинків середньовіччя.

У залізному віці цілком склалися головні типи основного поселення Росії - села. Спочатку хати в селі стояли неправильної групою ( "кучевой план"). Після хрещення Русі (988-989) у великих селах і селах хати ставилися навколо церкви ( "кільцевої план" з площею в центрі). Після реформ Петра I в ХVIII і ХІХ століттях села перебудовувалися по "вуличного плану" (головні вулиці йшли паралельно річці або великій дорозі). Хати будувалися без єдиного цвяха, "вінці" колод вкладалися знизу доверху.

Перший період розквіту міського кам'яного зодчества - X - перша половина XIII століття - час існування потужної держави Стародавня (Київська) Русь. Язичницькі святилища "громовержця" Перуна були відкритими майданчиками круглої або багатопелюсткові форми. З твердженням християнського культу в містах Стародавньої Русі були побудовані грандіозні храми, де населення міста могло збиратися для літургії, слухання проповідей, святкування весіль, хрещення дітей та інших урочистостей. Київський многоглавий собор Святої Софії і білокам'яний просторий Софійський собор в http: // russia. rin.ru/guides/3035.htmlНовгороде були багато прикрашені мозаїкою, фресками, світильниками.

У XII столітті центр Стародавньої Русі перемістився на північний схід, у Володимир і Суздаль. Церква в Кидекше поблизу Суздаля, Успенський і Дмитрієвський собори у Володимирі і перлина російської архітектури, церква Покрова на річці Нерлі склали новий блискучий етап зодчества Росії. Новий стрімкий підйом російського зодчества припадає вже на ХV-ХVI століття - час звільнення від татаро-монгольського ярма, народження Російського царства з центром у Москві. Перші храми в Московському Кремлі і в Звенигороді схожі на володимирські, але в їх вертикальної спрямованості є щось споріднене європейської готики. ХVII століття ознаменоване масовим будівництвом цегляних церков, віталень дворів, палаців і особняків, багато прикрашених візерункової кладкою, кольоровими кахлями, теракотовими деталями. Не менш пишно розцвіло дерев'яне зодчество: палаци (дерев'яний царський палац в Коломенському), зміцнення, сільські храми. Заповідник Кижи на Онезьке озеро зберігає чудеса народного дерев'яного зодчества. З початку ХVIII століття Росія приєдналася до європейського шляху розвитку архітектури. Нова чудова столиця Санкт-Петербург отримала небувалий на Pycі регулярний план: в закруті Неви тризуб проспектів, орієнтованих на Адміралтейство, канали - лінії на Василівському острові.

Однак елементи регулярного плану вводилися і в Москві (Червона, Театральна, Лубянська площі), у великих і малих містах і навіть у селах. Протягом ХVIII століття вводилася типова забудова по "зразковим" проектам для людей різного стану. Палаци імператорів і знаті демонструють зміну стилів, більш швидку, ніж на Заході.

Для історії російської архітектури переломним був рубіж 17 і 18 вв. За Петра I спочатку переважав прозаїчний комфортабельний голландсько-німецький класицизм, але до кінця його царювання (особливо npи його наступників) стало затверджуватися пишне, представницьке зодчество бароко (Дванадцять колегій Доменіко Трезини в Петербурзі, двoрец з водним каскадом, фонтанами і каналом в Петергофі).

Перетворення Петра I послужили поштовхом до посилення світського початку, розширенню цивільного будівництва. Виникли нові типи громадських і адміністративних будівель, виробничих споруд, порти; будувалися заміські палаци, розвивалися регулярні парки. Головним завданням російської архітектури початку 18 ст. був розвиток знову заснованого Петербурга. Місто отримало структуру, в якій регулярність планування гнучко поєднувалася з особливостями природного ландшафту. Будівлі петровського часу відрізняють простота і раціональність. В середині 18 ст. в російській архітектурі наростають тенденції бароко (творчість В.В. Растреллі і С.І. Чевакінского в Петербурзі, Д.В. Ухтомського в Москві). Для російського бароко характерне поєднання багатого пластичного і колірного убрання фасадів з ясністю планів і об'ємної композиції. В останній третині 18 в. бароко поступилося місцем класицизму, основоположниками якого в Росії з'явилися А.Ф. Кокорін, В.І. Баженов, М. Ф. Казаков, І. Є. Старов. Кінець 18 - 1-я третина 19 ст. ознаменовані створенням найбільших монументальних міських ансамблів в центрах Петербурга, Москви, Ярославля, Костроми, Полтави та інших міст (А.Д. Захаров, А. Н. Воронихин, Ж. Тома де Томон, К.І. Россі, В.П. Стасов , О. І. Бове, Д. І. Жилярді). Для архітектури цього періоду характерні широкий розмах просторових композицій і урочиста парадність художніх образів, що відбили патріотичні ідеї часу. Через "зразкові проекти", за якими пропонувалося будувати, класицизм поширився і на рядову забудову міст.

При Єлизаветі Петрівні Растреллі створив чудовий, урочистий, повний величі стиль, що поєднує риси класицизму (розмах строгих прямолінійних планів), бароко (пластичність, динаміка архітектурної та скульптурної обробки фасадів) і рококо (примхливий криволінійний візерунок, розфарбовування в "приємні для ока" тону) .

Катерина II вважала за краще класицизм - один з найпривабливіших в світовій архітектурі, що поєднує строгість ліній, м'яку пластику, ніжність обробки: Чарльз Камерон (ансамбль в http: // russia. Rin.ru/guides/10681.htmlПавловске, галерея в Царському Ceлe), Антоніо Рінальді (Мармуровий палац в Петербурзі, "Китайський палац" в Оранієнбаумі), Юрій Фельтен (решітка Літнього саду в Петербурзі)

Вершина російського класичного стилю - російський ампір ( "пізній класицизм"). При Павлові I і Олександра I в Петербурзі збудовані цілі райони, грандіозні ансамблі, пpидать Петербургу імперську велич і розмах, гідні народу, який переміг в наполеонівських війнах грізного противника. Біржа Тома де Томон, Казанський собор і Гірський інститут Андрія Вороніхіна і особливо колосальні і разом з тим стилістично дуже цілісні комплекси Карло Россі.

При Миколі I класицизм поступився місцем напрямку, званому еклектикою або історизмом, суть якого полягає в наслідуванні давньоруського мистецтва, готиці, Ренесансу, бароко. Найбільш знамениті Великий Кремлівський палац, храм Христа Спасителя, побудовані в російсько-візантійському стилі Костянтином Тоном. Будівлі ХIХ століття - фабрики, вокзали, пасажі - часто вражають новизною композиції, що відповідає новим функціям, новизною конструкцій з металу і скла. Слід зазначити, що саме споруди XIX століття визначають вигляд здебільшого міст Росії.

До кінця XIX - початку XX століття відносяться пошуки нового, цільного стилю в архітектурі. Нова архітектура починається з робіт живописців, коли Bиктория Васнецов спроектував в Абрамцеве під Москвою церква і "хатинку на курячих ніжках", а Ф.О. Шехтель особняк С.П. Рябушинського.

У перші роки радянської влади великі конструктивісти Весніни, Костянтин Мельников, Іван Леонідов, Мойсей Гінзбург, Георгій Гольц в аскетичному, але повному запальною утопічної фантазії стилі будували фабрики, будинки-комуни для колективного побуту, будинки культури, фабрики-кухні та інше вигадки відчайдушних революційних фантазерів.

На рубежі 20-30-х років сталінський режим замінив цю утопію іншою, заснованою на парадних образах класицизму: Борис Иофан, який створив проект Палацу Рад, Дмитро Чечулин, Аркадій Мордвинов змінили вигляд багатьох міст Радянського Союзу.

Після Великої Вітчизняної війни "сталінський ампір", "стиль тріумф" став стилем відновлених міст - Волгограда, Мінська, Києва. Марнотратне будівництво, багате прикрасами - колонами, портиками, скульптурою, тривало до хрущовської "відлиги", коли розгулу "прикрашення" було покладено край, а на його місце був поставлені одноманітні, всюди однакові п'ятиповерхові "коробки", головною метою яких було терміново дати житло мільйонам бездомних жертв індустріалізації і війни.

Це масове дешеве будівництво триває і зараз, але після "перебудови" на краще місця в містах висунулася банки, офіси в дусі "постмодернізму" з вежами, криволінійними дахами, бетонно-скляними фасадами. У передмістях з'явилися химерні котеджі. Кращі зодчі наших днів активно шукають нові можливості стилю реконструюються міст.

У 2009 році Красноярському краю виповнилося 75 років, його попередниці - Єнісейської губернії - 187 років, а найстаршим поселенням цієї території понад 400 років.

І за всі роки історичного розвитку міста, селища, та окремі поселення забудовувалися відповідно до канонів російської архітектури, увібравши в себе все найкраще що накопичено за роки розвитку не тільки сибірських територій, а й усієї Росії. На цьому сайті ми постараємося відобразити найбільш значущі, історично цінні та культуро-утворюють архітектурні споруди і архітектурні ансамблі найдавніших сибірських міст, в тому числі і втрачені.

Ольгинська церква в с. Ольгине Уярского району Красноярського краю

Церква в ім'я Святої рівноапостольної княгині Ольги російської була збудована в 1897-1898 рр. в селищі Ольгинської, в період прокладки ділянки залізниці між станціями Красноярськ-Правий і Журавлинна (м Уяр). На сьогоднішній день втрачено хрест на храмової чолі, зруйновані елементи внутрішнього оздоблення, частково втрачений декор фасадів.

Церква Троїцька с. Шалоболіно Курагінского району

У 1851 році в селі Шалоболіно за проектом невідомого автора на кошти золотопромисловця О.І. Артем'єва була споруджена церква Трійці з теплим бокові храмом Різдва Христового.

Будівля церкви розташоване в центральній частині села, що розкинулося в закруті річки Шуші. В даний час будівля є пам'яткою архітектури XIX століття і розташоване на території Курагінского району Красноярського краю.

Богоявленська церква в с. Підсисні Назаровского району Красноярського краю

Будівля Богоявленської церкви в с. Підсосному Назаровского району закладено 29 вересня 1807 року по грамоті Тобольського архієпископа Антонія замість згорілої в 1806 р дерев'яної церкви Флора і Лавра (80-і рр. XVIII ст). У 1903-1906гг. будівля була значно розширено прибудовою з півночі і півдня двох бокових храмів за проектом Єнісейського губернського архітектора Фольбаума А.А. (?).

Троїцька церква, п. Ємельяново, Омелянівського району

Будівля Троїцької церкви селища Ємельяново закладено 10 жовтня 1798 р грамоті Тобольського архієпископа Варлаама замість дерев'яної однойменної церкви, побудованої в 1774-1775 рр. Церква будувалася з 1799 р артіллю майстрів з м Енисейска в складі: каменярів Дудіна С.О. і лютих М.К., теслярів Кочкова Д., Кочнева І.

Будинок Гудкова П.К. м Красноярськ

Одноповерховий цегляний будинок купця III гільдії С.Я. Кузнєцова. Побудований в 1826р. У 1880гг. надбудований другий поверх. У 1887гг. Будівля перебудована його новим власником П.К. Гудковим, почесним громадянином міста, директором золотопромислового суспільства "Драга". Разом з будинком Гадалова Н.Г. формує кут перехрестя вул. Миру і вул. Паризької комуни в м Красноярську.

Церква Знам'янського гуртожитській чоловічого Скиту

Знаменський общежітельний чоловічий Скит заснований в 1888 році єпископом Красноярським і Єнісейським Тихоном на землях красноярського Успенського чоловічого монастиря.У 1888-1894 рр. був збудований комплекс скитських будівель, до складу яких входили: церква Знамення богоматері (1888-1891гг.), настоятельскій корпус (1891р), трапезний корпус, каплиця святителя і чудотворця Миколая (1894р), прочан корпус ...

Миколаївська лікарняна Церква

Будівля закладено 26 травня 1902р. на території комплексу Красноярської міської лікарні. Будівництво здійснювалося на кошти "потомственої почесної громадянки" Токарєвої І.І. за проектом Єнісейського губернського архітектора Фольбаума А.А. Будівельник - старший лікар міської лікарні Прейн А.П. Закінчення будівництва - 1907р.

Питання 6. Соціально-гуманітарні науки: культурологія, соціологія, історія, філософія

Соціально-гуманітарні науки - це науки вивчають суспільство, людину, людську діяльність.

Специфіка соціально-гуманітарних наук визначається декількома факторами:

А) Специфікою законів, які вивчають соціально-гуманітарні науки. По-перше, їм притаманний парадоксальний характер. З одного боку, вони, так само як закони природознавства, мають об'єктивний характер, тобто з'являються на історичній сцені, функціонують на ній і сходять з неї незалежно від волі і свідомості людей, будучи причинно обумовленими відповідними об'єктивними обставинами. З іншого боку, вони (на відміну від законів природи) реалізуються тільки через діяльність людей: там, де людей немає, або вони сидять "склавши руки", або діють малоінтенсивної і некомпетентно, закони суспільного розвитку не реалізуються. З цим пов'язана друга особливість цікавлять нас законів - вони виступають як закони-тенденції, носять імовірнісний (статистичний) характер.

Б) Специфікою соціально-гуманітарного мислення, яке, на відміну від мислення натураліста, носить діалоговий характер, завжди маючи на увазі дискурс зі своїми попередниками і сучасниками. Ця відмінність аж ніяк не скасовує тісному зв'язку соціально-гуманітарного знання з практикою, особливо сьогодні, коли зникає традиційна, що йде від греків, протилежність між епістеми (виробництвом знання) і Докса (його застосуванням). Аналізуючи історію соціально-гуманітарних наук, слід мати на увазі той постійний струм, який йшов і йде до цього комплексу знання від природних наук.

Так, в XVI - XVII ст., Коли пізнавальним ідеалом науковості виступає механіка як дедуктивно побудована математична система, суспільствознавство будується за цим зразком ( "Етика, доведена в геометричному порядку" Спінози, "Людина-машина" Ла-метри). З висуненням на передній план в якості перспективних наук квантової механіки і теорії відносності зразком для суспільствознавства стає фізика.

Прикладом наслідування може служити робота Я. Морено "Соціометрія", автор якої спробував слідом за фізиками, що вторглися в природний атом, виявити і описати "соціальний атом". Пізніше в якості зразка починає виступати біологія, і соціальні системи розглядаються як органічні (такий підхід до цивілізацій А. Тойнбі, до культурних суперсистем П. Сорокіна).

Сьогодні відчутний вплив на суспільствознавців надає синергетика, однак, як і у всіх попередніх випадках, необхідний зважений підхід до її екстраполяції на соціальні реалії.

Специфікою соціально-гуманітарних наук є і те, що вони обґрунтовують необхідність гуманізації та гуманітаризації сучасного природознавства за допомогою застосування математичного моделювання. Саме це дозволяє чітко визначити не тільки технічні та технологічні результати впровадження у виробництво досягнень технічних і природничих наук, а й чітко визначити їх соціальні, економічні та екологічні наслідки.

Соціологія, в найбільш широкому значенні - це наука, що вивчає суспільство і суспільні відносини. Соціологія - це наука про суспільство як цілісну систему, про закономірності його становлення, функціонування та розвитку. Вона вивчає соціальне життя людей, соціальні факти, процеси, відносини, діяльність індивідів, соціальних груп, їх роль, статус і соціальну поведінку, інституційні форми їх організації.

На думку Ентоні Гідденс, соціологія - це "вивчення суспільного життя людини, вивчення груп і суспільств". На думку Ядова В.А., соціологія - це наука про функціонування суспільства, про взаємини людей. Основною метою соціології є "аналіз структури соціальних відносин в тому вигляді, в якому вони складаються в ході соціальної взаємодії". Сучасна соціологічна енциклопедія визначає соціологіюкак науку про і специфічних соціальних законах і закономірності розвитку і функціонування історично визначених соціальних систем, про механізми дії і форми прояву цих законів в діяльності людей, соціальних груп, класів, народів. Слово "соціальний" в цьому визначенні означає сукупність суспільних відносин, тобто відносин людей один до одного і до суспільства. Соціальне розуміється як результат спільної діяльності людей, яка проявляється в їх спілкуванні та взаємодії.

Таким чином, соціологія - наука про суспільство як цілісному соціальному організмі; про соціальних спільнотах і взаєминах між ними; про соціальні процеси, соціальної організації; про взаємодію особистості і суспільства; про закономірності соціальної поведінки людей.

Культурологія - гуманітарна наука, що вивчає закономірності розвитку і функціонування культури, її структуру і динаміку, взаємозв'язки і взаємодії з іншими сферами матеріального і духовного життя. Культурологія - гуманітарна наука, що вивчає закономірності розвитку і функціонування культури, її структуру і динаміку, взаємозв'язки і взаємодії з іншими сферами матеріального і духовного життя. До завдань культурології входить осмислення культури як цілісного явища, визначення найбільш загальних законів її функціонування, а також аналіз феномена культури як системи, перспективи розвитку.

Культурологія вивчає світ людини в контексті його культурного існування, тобто в аспекті того, чим цей світ є для людини, яким змістом він для нього наповнений. Вона досліджує системний об'єкт - культуру як форму існування, витончену, виконану розуму форму життя, результат символічної і практичної діяльності, "особливий модус суспільно-історичного буття", що охоплює як високу культуру, так і повсякденність, звички, вірування, смаки, міфи, стереотипи , "невідчужений духовність, втілену в повсякденному існуванні з розчиненими в ньому человекосоразмернимі побутовими культурними символами".

Філософія - найбільш загальна теорія, одна з форм світогляду, одна з форм людської діяльності, особливий спосіб пізнання. У найзагальнішому вигляді подфілософіейпонімают діяльність, спрямовану на постановку і раціональне вирішення найбільш загальних питань, що стосуються суті знання, людини і світу. Філософія - пошук і знаходження відповідей на фундаментальні питання буття, під дію яких потрапляє кожна людина. Філософія-складова культури, форма її максимально повного вираження і осмислення. Проблеми людства отримують в філософії завершальне тлумачення, це - найвищий рівень самоосмислення людства, самопізнання матерії. Філософіяізучает загальні закони природи, суспільства і людського мислення. Іншими словами, філософія прагне усвідомити якусь основу для всіх сфер реальності, яка породжує все різноманіття світу, проте зберігає стійкість у всіх змінах.

Історія - процес розвитку природи і суспільства. Історична наука - комплекс суспільних наук, що вивчає минуле людства у всій його конкретності і різноманітті.